Цветочная жизнь Клер Баслер

Клер Баслер – французская художница, которая влюблена в цветы. Она превратила в огромный цветник свою студию, которая больше похожа на роскошный зимний сад, чем на обычную мастерскую. 

 Художница ежедневно пишет картины, на которых, словно по волшебству, расцветают беззащитные маки, нежные пионы и утонченные лилии.

Клер создает огромные цветочные картины и ставит их вокруг своего дома, используя их в качестве источников вдохновения. «В своем саду, она видит борьбу природы за жизнь против ветра, дождя и солнца. Это то, что Клер Баслер изображает в своих картинах, а именно: сила и слабость цветка, уверенности в природе».

Студией Клер Баслер не перестают восхищаться друзья и коллеги. В частности, известная фотограф Кирсти Митчел как-то призналась, что ей не доводилось видеть столь прекрасных студий, в которых «мозг буквально взрывается от восторга». Она даже шутливо добавила, что если и мечтает где-то умереть, то, скорее всего, в этом прекрасном месте. Сама хозяйка тоже души не чает в своей мастерской. Она обустроила ее в здании бывшей школы в городке Les Ormes (пригород Парижа). Здесь она не только работает, но и живет. Ежедневно она следит за тем, чтобы в доме было необходимое количество цветущих растений, так как они вдохновляют художницу на творчество. 

Художница любит наблюдать за тем, как растут цветы в ее саду. Ей интересно, как растения борются против ветра, дождя и солнца, как тянутся к свету. В этом – очарование живой природы, в ее одновременной силе и слабости. Эту внутреннюю сущность всего живого художница стремится изобразить на своих полотнах.

О художественной мастерской Клер Баслер неоднократно писали СМИ, а так же делали фоторепортажи об оригинальной домашней студии. 

 

Познакомиться с творчеством Клер, 

а так же посмотреть интерьер её дома 

вы можете на сайте:http://www.clairebasler.com/

Салли Сватланд - "Дни детства" и " Прогулки у моря"

Салли Сватланд -  американская художница. Которая обожает искусство и, как все импрессионисты, любит экспериментировать со светом.
 Салли родилась в 1946 г. в Вашингтоне, округ Колумбия. Ее отец был успешным поверенным, который позволил ее семье проводить длительные периоды в сельской местности, к тому же еще совершать поездки во время каникул в различные приморские места по всему США. Ее вместе с ее семьей завораживала красота берегов океана, игра света, и потоки свежего воздуха. Большинство летних дней она проводила на берегу, играя в приливно-отливных потоках воды, преследуя пескарей, собирая ракушки и изучая все находки.

Салли имеет двух сестер, которые были также погружены в изучение искусства рисунка, живописи, и многого другого, что развивало творческое выражение. В периоды ее детства и позднее в подростковом возрасте она смешивала краски, рисовала, постоянно развивая навык при созерцании окружающего мира вокруг нее. Она начала рисовать, когда ей было пять. Везде, и в начальной (средней) школе, и в колледже она всегда дополнительно училась мастерству в художественных классах. В настоящее время Салли  член Обществ: американское Импрессионистское Общество; американское Общество Морских Художников; американское Общество Художников Портрета и Ассоциации Искусства Кейп-Кода. Ее любимые образы – дети, играющие в лужицах от прилива, ловящие пескарей, собирающие раковины, такие, какой была она сама в детстве. Они естественны, беззаботны, раскованы и всегда окружены красотой природы.

"Дни детства" и " Прогулки у моря" - это серии работ художницы, в которых ощущается легкость и ненавязчивость. Смотря её картины чувствуется умиротворенная красота природы, детей, цветов... Мир глазами Салли чист и прекрасен, в нем есть легкий ветерок, теплое солнышко, ароматы трав и морского бриза, вызывает исключительно позитивные эмоции.
Люблю эту художницу, за то, что в любой день, когда я в стрессе или же просто нет настроения, её творения всегда меня спасают. На мой взгляд, она способна всколыхнуть душевное состояние многих людей в подобных (стрессовых) ситуациях. Во всяком случае, многих она уже изменила!

Несколько работ из серии "Дни детства":

Работы из серии " Прогулки у моря":

Посмотреть другие работы вы всегда можете на сайте:http://www.rehs.com/essay.html?key=27

Грязное искусство на автомобилях

Совсем недавно, листая ленту наткнулась на весьма необычный вид искусства. И вот решила поделиться им с Вами! Что вы делаете, если ваша машина стала грязной? -Едите на мойку? А вот художник Скотт Уэйд превращает грязные автомобили в произведения искусства, рисуя на пыльных стеклах. Некоторые люди  не могут удержаться от того, чтобы оставить какую нибудь «остроумную» надпись на пыльном стекле, находясь рядом с автомобилем. Некоторые могут нарисовать пальцем пару рожиц, сердечек, цветочков или небольшую картинку. Но то, что вытворяет Скотт Уэйд с автомобилями — это что-то необыкновенное!

Скотт Уэйд использует грязные окна автомобилей как полотно для создания невероятных, но, к сожалению, временных шедевров. На одну картину он тратит не меньше четырех часов, совершенствуя детализацию и глубину рисунка, один небольшой дождь достаточен, чтобы уничтожить его усердную работу. Но умелый художник не расстаивается поэтому поводу, ведь рисование на пыльных стеклах автомобилей его любимое хобби на которое он тратит все свободное время. Скотт не ждет столько времени, чтобы машина стала грязной, а использует специальный гель, который наносит на стекло автомобиля и обычный фен, которым он потом распыляет пыль. Этот процесс занимает всего 10 минут. Как утверждает Скотт Уэйд, для создания холста естественным путем с необходимым количеством пыли, нужно проездить по грунтовой дороге около 7 дней. Скотт Уэйд живет в Сан-Маркосе (штат Техас) и путь к его дому пролегает по длинной грунтовой дороге, поэтому его машина всегда в пыли, а мыть ее каждый день не имеет смысла. К тому же, рядом с домом всегда были грязные автомобили и художник часто рисовал каракули на задних стеклах своего и соседских автомобилей. Обычно это были смешные рожицы и небольшие карикатуры на соседей, но потом  Скотт Уэйд начал экспериментировать с методами затемнения рисунка. Сначала он пытался это сделать с помощью легкого нажатия пальца руки, но ничего толкового не выходило, пока однажды Скотт Уэйд не попробовал порисовать изжеванной палочкой от эскимо. Тот эффект который получился сразу понравился Скотту и он понял, что для такой работы  очень хорошо подойдут кисточки разной жесткости. Со временем он разработал несколько методов, которые использует по сей день для отрисовки деталей рисунка с различной степенью затемнения. Вот несколько его  работ:

Русские решили не отставать, и так же создавать подобные картины. Надеюсь скоро, стоя в пробках можно будет получать удовольствие от увиденного!)))

Александр Головин. Фантазии Серебряного века

Выставка

Фантазии Серебряного века в Третьяковской галерее на Крымском Валу

В этом году исполняется 150 лет со дня рождения известного русского художника и сценографа Александра Головина. Третьяковская галерея приготовила выставку, приуроченную к его юбилею. Экспозиция, посвящённая творчеству Александра Головина. Выставка обладает хорошей коллекцией произведений, принадлежащих кисти выдающегося художника. В их числе — театральные зарисовки, портреты и костюмы. Александр Головин также был автором многочисленных пейзажей и натюрмортов. На выставке Александр Головин предстанет как талантливый живописец, график, театральный художник и портретист.

О художнике:

Александр Яковлевич Головин родился в Москве 1 марта  1863 года, в семье священника. Через три года семья переехала в Петровско-Разумовское.

 Н. И. Железнов, выдающийся  русский ботаник и агроном, первым заметил талант будущего художника. С помощью академических профессоров, мальчик был определен в самые престижные учебные заведения Москвы. Он обучался в Катковском лицее, а после смерти отца,  в 1878 году он  перевелся в  Поливановскую гимназию.

 Здесь обучались такие знаменитые поэты, как В. Брюсов, Андрей Белый, М. Волошин и многие другие. В гимназии Поливанова существовал некий культ Шекспира. Именно здесь  Головин влюбился  в театр.

 В 1881 году Головин поступил на архитектурное отделение Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Вскоре он понял, что архитектура его не вдохновляет, и  вскоре он перевелся на живописное отделение.

 В период обучения  в училище Головин познакомился с Левитаном, Коровиным, Архиповым, Остроуховым, Нестеровым. Именно Нестеров представил Головина Врубелю. Молодых художников сближало совместное участие в «рисовальных и акварельных» вечерах.

После смерти матери в 1884 году, молодой художник  остался без средств к существованию. В первые годы после окончания училища, он подрабатывал подмастерьем у декоратора А. Томашки, занимался росписью цветов на атласе под заказ. Художник, не стеснялся никакой работы. 

 В 1889 году он отправляется  в Париж на Всемирную выставку. Головин был покорен новейшей французской живописью. Некоторое время он занимался  во французской мастерской, где осознал, что все ранее сделанное им, это не то, что ему следовало сделать.

 В сентябре 1897 года Головин женился на Марии Константиновне Котовой. Вскоре у них родились две дочери – Елена и Мария, а после сын Александр. Но, к сожалению, их союз оказался недолгим. Головин страдал. Страдания усугублялись потерей ближайшего друга и советчика — Е. Д. Поленовой.

Выйти из такого состояния ему помогло сильнейшее увлечение искусством. Он много и упорно трудился.

 В 1898 году Головин был назначен на должность художника-декоратора Императорских театров. Он оформлял спектакли Большого театра в Москве, в частности оперы А. Н. Корещенко «Ледяной дом», Н. А. Римского-Корсакова «Псковитянка».

 В 1901  художник переезжает в Петербург. Там с 1902 года Головин занимал пост главного декоратора Императорских театров и консультанта дирекции по художественным вопросам. Свои работы он создавал  для Александринского и Мариинского театров.

 Он придумывает эскизы костюмов и декораций к операм  «Орфей и Эвридика» К. В. Глюка; «Каменный гость» А. С. Даргомыжского; спектаклям «У врат царства»,  К. Гамсуна; «Гроза» А. Н. Островского, «Маскарад» М. Ю. Лермонтова; «Песнь соловья» И. Ф. Стравинского и многим другим.

 С 1899 Головин был постоянным  участником  выставок  «Мира искусства, а с 1902 годы являлся  членом объединения  и одним из сотрудников журнала «Мир Искусства». В 1903 вступил в Союз русских художников.

 В период с 1906 по 907 год художник создает цикл декораций к опере Ж.. Бизе «Кармен». Один из эскизов – к первому акту спектакля – дает полное представление о том, какой художник представлял себе Испанию.

 К опере художник также создал цикл портретов испанок, который стал скорее отдельным циклом работ художника, чем просто вариантами типажей и костюмов к конкретной театральной постановке.

 Его театральные пейзажи настолько реалистичны, что невольно становишься участником театрального представления.  

 С  1908 по 1917 год сотрудничал с В. Э. Мейерхольдом, оформлял постановки антрепризы Дягилева Русские сезоны в Париже.

Совместно с Н. К. Рерихом и Д. С. Стеллецким создал костюмы и декорации к операм «Борис Годунов» М. П. Мусоргского, а также декорации к балету «Жар-птица» И. Ф. Стравинского.

 В 1912 году Головин стал действительным членом Академии художеств. В это же время у него обнаружились первые признаки серьезной сердечной болезни, и врачи посоветовали художнику покинуть столицу. С 1913 года и до самой смерти Головин жил в Царском Селе.

 После 1925 года Головин практически не выезжал из Царского Села. Но перед этим художник успел встретиться  со Станиславским в Одессе. Результатом этого стала совместная работа над «Женитьбой Фигаро» Бомарше.

 В 1927 году в Художественном театре с оглушительным успехом прошла премьера спектакля. Сам же художник, по причине болезни, не смог попасть на премьеру. 

В 1928 художник был удостоен звания «Народный артист РСФСР».

О выставке:

Мне было очень интересно посмотреть на работы Серебряного века! Меня поразили декорации для театров, в особенности костюмы! Каждая мелкая деталь очень подробно прорисована - это ювелирная работа мастера своего дела! Так же на выставке я видела большое количество натюрмортов и пейзажей. Меня удивило то, насколько Головин скрупулезно отнесся почти к каждому своему творению. Некоторые из них напомнили мне про еще одного талантливого художника Ван Гога. На выставке представлено несколько работ Головина, напоминающие местами работы этого художника. Еще на выставке представлены портреты мексиканских женщин в эпоху Серебряного века. Честно говоря, именно они, к сожалению, не произвели на меня никакого впечатления. Возможно я больше люблю русскую красоту... 
В целом я осталась очень довольна выставкой! И советую каждому сходить на нее! 
Выставка в Москве продлиться до 24 августа!

Места где можно встретить работы Головина:

Работы знаменитого живописца сегодня представлены главным образом в Москве и Санкт-Петербурге. В столице это - Государственная Третьяковская галерея, Государственный Русский музей, Государственный Исторический музей, Собрание В. Я. Андреева, Собрание Н. А. Соколова, Собрание П. М. Норцова.

В Санкт-Петербурге - Музей-квартира И. И. Бродского, Санкт-Петербругский государственный театральный музей, Собрание С. Н. Валка, Собрание О. И. Рыбаковой, Собрание Я. К. Кунина.

Мастер фотографии

Арно Рафаэль Минккинен

Совсем недавно я наткнулась на работы Арно Рафаэль Минккинена, и честно говоря была приятно поражена. Сам автор известен своими черно-белыми реалистичными фотографиями пейзажей с элементами частей тела. Чаще всего тела принадлежат самому автору. В каждом снимке существует своеобразная концепция, некая загадка. Фотографии сразу притягивают взгляд своей нестандартностью мышления, в каждом снимке существует своя замаскированная нереальность. На первый взгляд ощущение невозможного, но при подробном рассмотрении можно найти вполне простые элементы человеческого тела. В этом и заключается основная концепция Арно Рафаэль Минккинена. И я уверенна, что на это стоит посмотреть!

Немного о фотографе:

Фотограф родился в 1945 году в Хельсинки (Финляндия), но живет в США с 1951 года. Окончив Вагнер колледж с дипломом бакалавра английской литературы, Минккинен первое время занимался копирайтом, но впоследствии увлекся фотографией. Его первая серия черно-белых автопортретов в стиле ню появилась в сентябре 1971 года. Несколькими годами позже автор стал магистром фотографии, окончив Rhode Island School of Design.

В настоящее время Арно Рафаэль Минккинен – профессор искусств University of Massachusetts Lowell, а также доцент University of Art & Design Helsinki. Его работы публикуются и выставляются во всем мире; фотографии автора находятся в коллекциях Музея современного искусства (Нью-Йорк), Музея изобразительных искусств (Бостон), Музея современного искусства (Париж), Национального центра искусства и культуры имени Жоржа Помпиду (Париж), Токийского музея фотографии (Токио) и других.

«Я хотел быть писателем. … Я послал мои рассказы в «New Yorker», но они тут же вернулись назад. Мой брат посоветовал мне заняться рекламой. Я стал писать рекламные тексты и занимался этим пять лет. … Когда я делал рекламу для Минолты, мне представилась возможность что-то узнать о фотографии. Я написал: «Все что происходит внутри твоей головы, может произойти внутри фотоаппарата». После этого я задумался: «Может, это то, что мне нужно? Может перестать рекламировать фотографии других людей, а попробовать сделать свои?» И я послал несколько своих фотографий в Род-айлендскую школу дизайна, но их тут же прислали обратно – также как и мои рассказы…»

Последние сорок лет Минкен преподает и пишет. Но главные творческие силы, как всегда, отдаёт фотографии. Его любимые места, где он создает свои фото картины - Финляндия, Франция, Норвегия, Западная Америка, Швеция, Италия и Китай. Его автопортреты - необработанные фотографии человеческого тела и отдельных его частей в городской среде или же на фоне природы. Ощущение первобытности, желание чувствовать себя таким же свободным и "легким", словно в гармонии с природой - его движущие силы.

Работы фотографа участвовали более чем в двухстах во всем мире. В коллекциях многих музеев мира находятся его фотографии. Так же он удостоен различных наград и премий в области фотографии.

Посмотреть другие работы фотографа мы можете на сайте:http://www.etoday.ru/2011/07/fotograf-arno-minkkinen.php

Десять знаменитых евреев

Выставка "Энди Уорхол: Десять знаменитых евреев" это рассказ о судьбах гениев еврейского происхождения, изменивших жизни многих поколений. Список изображенных на портретах это краткое содержание общей истории 20 века.

   Уорхол — автор целой галереи звездных портретов. Он обожал рисовать знаменитостей. Многие из них были его друзьями. Лиз Тейлор, Лайза Миннелли и другие захаживали к нему в студию, где он щелкал их на полароид, чтобы потом отрисовывать по этим снимкам картины. Кого-то, с кем он не был и не мог быть знаком (Мэрилин Монро или Мао Цзедун), он выбирал сам, неукоснительно следуя принципу изображать только то, что пользуется успехом и спросом. Многие портреты были сделаны на заказ. Состоятельные и знаменитые клиенты считали статусным иметь собственный портрет работы Уорхола.

  На рубеже 70–80-х художник  просил своих приятелей галерейщиков подкинуть ему какую-нибудь хорошую идею. Один из них  — Рональд Фельдман, человек, незадолго до знакомства с Уорхолом перешедший из лоеров в арт-дилеры, — предложил: «Десять американских президентов». Художник заявил, что это скучно. А вот следующая идея Фельдмана — «Десять гениальных евреев» — его зацепила: «Евреи будут продаваться». В топ-10 вошли ученый Альберт Эйнштейн, отец психоанализа Зигмунд Фрейд, израильский премьер Голда Меир, писатели Франц Кафка и Гертруда Стайн, композитор Джордж Гершвин, философ Мартин Бубер, актриса Сара Бернар,  американские комики братья Маркс и первый судья-еврей в Американском верховном суде Луис Брандайс. Всех их вы можете видеть на выставке в Еврейском музее.

   И серия портретов действительно хорошо продавалась. Особенно после того, как была организована серия выставок в разных городах Америки — от Нью-Йорка до Майами. Тогда, критики не скупились на обвинения — " это не искусство, а цинизм и чистая коммерция". Теперь это вряд ли имеет значение. Эта десятка — часть наследия великого Уорхола. На выставке в Москве представлены сами портреты, архивные материалы, фотографии, видеозаписи и интервью, сопровождающие каждый объект.

Уорхол основатель поп-арта

Энди Уорхол - американский художник, дизайнер, издатель журналов, один из основателей поп-арта.

Родился в США, но свои славянские корни на протяжении долгих лет тщательно скрывал. Уорхол учился в Технологическом институте Карнеги, окончив который он отправился покорять Нью-Йорк, где изменил имя (настоящее имя - Андрей Варгола) и работал в знаменитых журналах "Vogue" и "Harper's Bazaar". Энди прославился благодаря банкам супа "Кэмпбэлл". В то время поп-арт только зарождался, поэтому желающих занять место под солнцем было довольно много. Суп "Кэмпбэлл" был шагом, с помощью которого Урхол решил "обогнать" своего конкурента. Почему суп? Версий много: от влияния матери, делавшей из консервных банок цветы до глубокой ненависти к этому блюду и передачи через неё идеи нео-дадаизма. Многие люди, пытались доказать, что именно они подали Уорхолу идею нарисовать банку супа, что доходило до абсурда. Позже Энди Уорхол использовал свои банки с супом и в других работах на разных этапах своего творчества. Как бы то ни было, банки супа "Кэмпбэлл" можно считать культовым произведением искусства, принёсшим Уорхолу знаменитость и богатство.

  

В 1962 году Уорхол создал несколько картин, которые стали сенсацией в мире искусства. В кричащих цветах на них были изображены различные банки от кока-колы, консервов и томатного супа, которые стали визитной карточкой Энди. Арт-критики тут же обратили на молодого художника своё внимание. По их мнению, Уорхол изобразил всю пошлость и пустоту западной культуры. После этого американский художник представил ещё несколько картин, на которых изобразил в необычной манере кумиров современного общества. Среди звёзд, которых рисовал Энди: Мэрилин Монро, Мик Джаггер, Мухаммед Али, Битлз, Майкл Джексон, Ленин и многие-многие другие. В настоящее время цены на его картины доходят до десятков миллионов долларов.

Вокруг фигуры Уорхола собралась целая субкультура молодёжи. Не все среди его поклонников были достаточно адекватны, так как многие из них были настоящими радикалами, нередко алкоголиками и наркоманами. Одной из таких радикальных поклонниц была феминистка Валери Соланас, которая выстрелила в своего кумира и ранила в живот. В результате ранения Энди Уорхол оказался инвалидом, а по прошествии нескольких лет 22 февраля 1987 года известный художник умер от последствий этого ранения.

 

Для меня Уорхол это человек креатив. Ни один художник никогда ранее не изображал нечто похожего! Каждое его творение это концепт! Он обожал рисовать знаменитостей, и не зря, у него это потрясающе получалось. Его работы всегда интересно и актуально смотреть, в каждый холст он растрачивает частичку себя. Именно поэтому его полюбили многие!
А что вы знаете о творчестве Энди Уорхала? 

Делитесь своими комментариями внизу)