Мегаполис Даниэля Кастана

Те кто ни разу не встречал работы этого мастера - многое теряют. Если вы любите сочные цвета не перезагружающие ваши глаза и масляные пейзажи, те кому нравятся небоскребы и сочетания толстых мазков мастихина (специальный нож для смешивания масляных красок), знайте - этот художник покорит вас! Во всяком случае, так произошло со мной.)
Даниэль Кастан родился во Франции и уже с юных лет начал посвящать свою жизнь искусству. Он пробовал себя в разнообразных проектах по графическому дизайну, а к сорока годам решил начать рисовать обычной кисточкой и красками, после чего именно живопись стала истинным смыслом жизни художника.
Все его творчество насыщено удивительной эмоциональностью. В живописи присутствуют яркие сочные пятна красок, которые небрежно нанесены на холст, странные фигуры, четко выраженная городская архитектура, щедрые широкие мазки делают работы художника невероятными.

Неотделимой частью его путешествий по миру стала возможность запечатлеть на своем холсте интересные проспекты и площади мегаполисов, благодаря чему его галерея живописи все время пополняется. Основная тематика его картин - это мегаполисы всего мира, среди которых Нью-Йорк, Гонконг, Пекин, Мехико,  по которым Даниэль многократно путешествовал на протяжении всей своей жизни. Само творчество набирает все больше поклонников, становясь более популярным. Такое яркое творческое видение городов, заставляет ваши сердца биться чаще и с каждым полотном вдохновлять на новые жизненные видения.
Сама живопись мастихином необычайно сложная(знаю по себе), но это не мешает художнику каждый день садиться за холст, запечатлевая все новые и новые места.

Привлекательность картин Даниэля Кастана заключается в том, что, начав заниматься живописью в уже зрелом возрасте, он свободен от большого количества рамок и стереотипов, навязываемых школой. От сюда, в живописи маслом появляется некая свежесть, даже новизна. Имея высшее художественное образование и большой дизайнерский опыт , он грамотно выстраивает композицию на своих полотнах. В результате чего зритель получает море удовольствий, наслаждаясь его живописью.
Другие работы мастера вы можете здесь: http://www.danielcastan.com/

Забытый классик

Не так давно была в Третьяковке, очень уж хотелось посмотреть на работы выдающегося художника Матвея Доброва. Для меня было удивительно, что такого, большого таланта назвали забытым классиком.

Ведь творчество Доброва сочетает в себе камерность и лиричность станковой графики с точностью научного рисования. В таком соединении выражается своеобразие мироощущения автора: он воспринимал окружающее одновременно как художник и как естествоиспытатель. Взаимопроникновение искусства и науки определили во многом его творческую биографию.

 С юности Матвей Алексеевич Добров интересовался ботаникой, позже он отучился два курса на физико-математическом факультете Московского университета. Художественное образование начал в 1900 году в школе рисования и живописи К.Ф.Юона и О.И.Дудина, затем поступил на отделение живописи Московского училища живописи, ваяния и зодчества, где учился с 1901 по 1906 год у К.А.Коровина, В.А.Серова, А.С.Степанова.

Добров увлекся искусством гравюры в детские годы, получив на день рождения в подарок от отца, крупного московского врача и мецената, монографию об офортах Рембрандта. Но осуществить свою мечту стать офортистом ему удалось только в 1908 году в Париже, куда по совету К.Ф.Юона он отправился обучаться гравированию в мастерской известной русской художницы Е.С.Кругликовой. Жизнь Доброва в Париже была наполнена разнообразными занятиями, интересами и впечатлениями: он посещал Академию Ф. Коларосси, где рисовал и гравировал ню с натуры, прослушал курс лекций по египтологии в Лувре, увлекся творчеством Айседоры Дункан.

В начале 1910-х годов в Москве Добров смог организовать собственную мастерскую и заново гравировал свои лучшие парижские офорты, в том числе "Памятник Вольтеру" (1911, ГТГ) и "Фонтан Карпо" (1912, ГТГ). Он также создал ряд новых гравюр, среди которых выполненная по луврским зарисовкам "Египетская статуэтка" (1917, ГТГ) – пример использования художником техники меццо-тинто, популярной в России в XVIII – первой половине XIX века, но затем забытой.

С конца 1910-х Добров обратился к теме национального пейзажа. В 1919 году появляются его первые офорты из серии "Мотивы Подмосковья", над которой он работал до конца жизни. В 1920-е, оставшись без офортного станка, Матвей Алексеевич много рисовал. Прекрасным образцом работы тушью с использованием гусиного и тростникового перьев является серия рисунков, исполненных в 1925 году в Алабино – "Деревья у пруда. Алабино", "Дуб. Алабино" (оба – ГТГ) и другие.

 

На протяжении всей жизни художника привлекала анималистика. Изображения животных и птиц появлялись в композициях, навеянных впечатлениями от парижского зоопарка (серия "Птицы", 1911–1912, ГТГ, ГМИИ; "Зебры", 1915, ГТГ), в пейзажных этюдах ("Пейзаж с лошадью. Переславль-Залесский", 1927, частное собрание), в серии больших гравюр "Скачки" (1934–1937, ГТГ, частное собрание). В 1934–1936 годах Добров возглавлял Офортную студию им. И.И. Нивинского, где у него появилась возможность создавать большеформатные офорты, ставшие образцами блестящего технического мастерства: "Рыболовы на Москве-реке", "Оленеводческий совхоз" (оба – частное собрание), "Ремонт сельскохозяйственных орудий в колхозе", "Немцы покидают Калугу" (оба – ГТГ).

Помимо художественного творчества Добров реализовывал себя в педагогике: преподавал в разное время в Государственной школе печатного дела при Первой Образцовой типографии, на кафедре рисования для студентов геологов, ботаников и географов в МГУ, в Московском полиграфическом институте. С 1935 года и до конца жизни Матвей Алексеевич руководил мастерской офорта на графическом факультете Московского государственного художественного института им. В.И.Сурикова. Он стремился увлечь студентов искусством гравюры на металле, хотя понимал, что эта техника не была популярна из-за трудоемкости и сложности работы.
Думаю, что теперь Матвей Добров занимает достойное место среди художников 20века. И я надеюсь, что после такой выставки работ, его уж точно не назовут забытым классиком!

Польская фотохудожница

Они берут за душу, они заставляют грустить, улыбаться, удивляться, восхищаться и радоваться. Они дают возможность на минуточку заглянуть туда, куда не удастся добраться даже самому отчаянному путешественнику. По крайней мере, не здесь, не сейчас, не в этой жизни. Они — волшебные фотоманипуляции Барбары Флорчик (Barbara Florczyk), польской художницы, которая создает неземные пейзажи на основе собственных фотоснимков.Творческое интернет-сообщество знает польскую фотохудожницу под псевдонимом Kokoszkaa.

Несмотря на то, что фотохудожниками повадились называть себя те, кто увлекается пост-обработкой "живых" снимков в графических редакторов, настоящий фотохудожник не ограничивается этими приемами. Потому фотоманипуляции Барбары Флорчик правильнее считать фоторисунками, где смешиваются и перекликаются между собой цифровая живопись, графика и фотография, общими усилиями изменяя исходник практически до неузнаваемости. Такие уловки приводят к тому, что будничный пейзаж, пропитавшись атмосферой фэнтезийных книг, мультфильмов, видео, а также настроением творческих работ других мастеров цифрового искусства, превращается в пейзаж неземной, нереальный, — а это всегда манит, привлекает, завораживает.

Наряду с пейзажами из волшебных миров, фотоманипуляции Барбары Флорчик включают в себя портреты, а точнее, образы людей, невесомых, прозрачных, словно они бестелесные феи, населяющие ту, неземную часть мира. Несмотря на то, что все работы фотохудожницы выполнены в преимущественно темных, почти готических тонах, в них есть что-то такое, нежное и трогательное, что и задевает струны души любого, кто им откроется, прочувствует, поймет.

Я люблю рассматривать её творения, ведь они полность расскрывают крсоту нашего мира! Грацию и женственность девушки, легкость и свежесть цветов, манящих закатов. Смотря на эту красоту, нельзя не вдохновиться! Чего Вам и желаю при просмотре!
Посмотреть ещё больше работ вы можете на сайте:http://500px.com/BarbaraFlorczyk

Мрачное творчество Здислава Бексински

Здислав Бексински (Zdzisław Beksiński) — известный польский художник и фотограф.

Бексински родился в Саноке (Sanok) на юге Польши. После завершения обучения архитектуре в Кракове в 1955 году, он вернулся в Санок. Несколько лет после этого Бексински работал бригадиром на стройке. Эту работу он ненавидел. В этот период Бексински заинтересовался художественной фотографией, фотомонтажем, скульптурой и живописью. Он оказался новаторским художником, особенно для коммунистической страны. Он создавал скульптуры из гипса, металла и проволоки. Фотографии Бексинского стилистически были похожи на его будущие работы в живописи, представляя собой изображения морщинистых лиц, неровных ландшафтов, объектов с очень бугристой поверхностью, эффект от которых усиливался игрой с источниками света и тенями. Среди его фото работ также можно встретить различные тяжёлые образы, такие как изуродованная кукла с разодранным лицом, портреты людей без лиц или с полностью забинтованными лицами.Позднее Бексински сконцентрировал свои творческие усилия на живописи. Его первые картины относились к абстрактному искусству, но на протяжении шестидесятых годов он всё более склонялся к сюрреализму.

В 1970-х годах Бексински вступил в период, который он сам назвал «фантастическим», который продолжался вплоть до поздних 80-х годов. Это наиболее известный период его творчества, когда он создавал свои самые знаменитые впечатляющие образы, изображающие сюрреалистические, постапокалиптические картины сцен смерти, распада, пейзажи со множеством скелетов, искажённых тел, пустынь.

 

Все они были написаны с его особым вниманием к мельчайшим деталям, особенно когда это касалось отображения грубых, неровных поверхностей. Несмотря на мрачное исполнение, Бексински считал, что многие его работы недопоняты, так как они достаточно оптимистичны и даже забавны.

1980-е годы стали переходными в творчестве Бексинского. Произведения ранних 90-х годов в основном представляли собой серию сюрреалистических портретов и крестов. Они были намного менее богаты деталями, чем работы «фантастического периода», но не менее убедительными и сильными.

 

Другие картины Здислава Бексински вы можете на сайте:  http://beksinski.dmochowskigallery.net/galeria.php?artist=13
а так же в группе в вконтакте: http://vk.com/beksinski