Александр Головин. Фантазии Серебряного века

Выставка

Фантазии Серебряного века в Третьяковской галерее на Крымском Валу

В этом году исполняется 150 лет со дня рождения известного русского художника и сценографа Александра Головина. Третьяковская галерея приготовила выставку, приуроченную к его юбилею. Экспозиция, посвящённая творчеству Александра Головина. Выставка обладает хорошей коллекцией произведений, принадлежащих кисти выдающегося художника. В их числе — театральные зарисовки, портреты и костюмы. Александр Головин также был автором многочисленных пейзажей и натюрмортов. На выставке Александр Головин предстанет как талантливый живописец, график, театральный художник и портретист.

О художнике:

Александр Яковлевич Головин родился в Москве 1 марта  1863 года, в семье священника. Через три года семья переехала в Петровско-Разумовское.

 Н. И. Железнов, выдающийся  русский ботаник и агроном, первым заметил талант будущего художника. С помощью академических профессоров, мальчик был определен в самые престижные учебные заведения Москвы. Он обучался в Катковском лицее, а после смерти отца,  в 1878 году он  перевелся в  Поливановскую гимназию.

 Здесь обучались такие знаменитые поэты, как В. Брюсов, Андрей Белый, М. Волошин и многие другие. В гимназии Поливанова существовал некий культ Шекспира. Именно здесь  Головин влюбился  в театр.

 В 1881 году Головин поступил на архитектурное отделение Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Вскоре он понял, что архитектура его не вдохновляет, и  вскоре он перевелся на живописное отделение.

 В период обучения  в училище Головин познакомился с Левитаном, Коровиным, Архиповым, Остроуховым, Нестеровым. Именно Нестеров представил Головина Врубелю. Молодых художников сближало совместное участие в «рисовальных и акварельных» вечерах.

После смерти матери в 1884 году, молодой художник  остался без средств к существованию. В первые годы после окончания училища, он подрабатывал подмастерьем у декоратора А. Томашки, занимался росписью цветов на атласе под заказ. Художник, не стеснялся никакой работы. 

 В 1889 году он отправляется  в Париж на Всемирную выставку. Головин был покорен новейшей французской живописью. Некоторое время он занимался  во французской мастерской, где осознал, что все ранее сделанное им, это не то, что ему следовало сделать.

 В сентябре 1897 года Головин женился на Марии Константиновне Котовой. Вскоре у них родились две дочери – Елена и Мария, а после сын Александр. Но, к сожалению, их союз оказался недолгим. Головин страдал. Страдания усугублялись потерей ближайшего друга и советчика — Е. Д. Поленовой.

Выйти из такого состояния ему помогло сильнейшее увлечение искусством. Он много и упорно трудился.

 В 1898 году Головин был назначен на должность художника-декоратора Императорских театров. Он оформлял спектакли Большого театра в Москве, в частности оперы А. Н. Корещенко «Ледяной дом», Н. А. Римского-Корсакова «Псковитянка».

 В 1901  художник переезжает в Петербург. Там с 1902 года Головин занимал пост главного декоратора Императорских театров и консультанта дирекции по художественным вопросам. Свои работы он создавал  для Александринского и Мариинского театров.

 Он придумывает эскизы костюмов и декораций к операм  «Орфей и Эвридика» К. В. Глюка; «Каменный гость» А. С. Даргомыжского; спектаклям «У врат царства»,  К. Гамсуна; «Гроза» А. Н. Островского, «Маскарад» М. Ю. Лермонтова; «Песнь соловья» И. Ф. Стравинского и многим другим.

 С 1899 Головин был постоянным  участником  выставок  «Мира искусства, а с 1902 годы являлся  членом объединения  и одним из сотрудников журнала «Мир Искусства». В 1903 вступил в Союз русских художников.

 В период с 1906 по 907 год художник создает цикл декораций к опере Ж.. Бизе «Кармен». Один из эскизов – к первому акту спектакля – дает полное представление о том, какой художник представлял себе Испанию.

 К опере художник также создал цикл портретов испанок, который стал скорее отдельным циклом работ художника, чем просто вариантами типажей и костюмов к конкретной театральной постановке.

 Его театральные пейзажи настолько реалистичны, что невольно становишься участником театрального представления.  

 С  1908 по 1917 год сотрудничал с В. Э. Мейерхольдом, оформлял постановки антрепризы Дягилева Русские сезоны в Париже.

Совместно с Н. К. Рерихом и Д. С. Стеллецким создал костюмы и декорации к операм «Борис Годунов» М. П. Мусоргского, а также декорации к балету «Жар-птица» И. Ф. Стравинского.

 В 1912 году Головин стал действительным членом Академии художеств. В это же время у него обнаружились первые признаки серьезной сердечной болезни, и врачи посоветовали художнику покинуть столицу. С 1913 года и до самой смерти Головин жил в Царском Селе.

 После 1925 года Головин практически не выезжал из Царского Села. Но перед этим художник успел встретиться  со Станиславским в Одессе. Результатом этого стала совместная работа над «Женитьбой Фигаро» Бомарше.

 В 1927 году в Художественном театре с оглушительным успехом прошла премьера спектакля. Сам же художник, по причине болезни, не смог попасть на премьеру. 

В 1928 художник был удостоен звания «Народный артист РСФСР».

О выставке:

Мне было очень интересно посмотреть на работы Серебряного века! Меня поразили декорации для театров, в особенности костюмы! Каждая мелкая деталь очень подробно прорисована - это ювелирная работа мастера своего дела! Так же на выставке я видела большое количество натюрмортов и пейзажей. Меня удивило то, насколько Головин скрупулезно отнесся почти к каждому своему творению. Некоторые из них напомнили мне про еще одного талантливого художника Ван Гога. На выставке представлено несколько работ Головина, напоминающие местами работы этого художника. Еще на выставке представлены портреты мексиканских женщин в эпоху Серебряного века. Честно говоря, именно они, к сожалению, не произвели на меня никакого впечатления. Возможно я больше люблю русскую красоту... 
В целом я осталась очень довольна выставкой! И советую каждому сходить на нее! 
Выставка в Москве продлиться до 24 августа!

Места где можно встретить работы Головина:

Работы знаменитого живописца сегодня представлены главным образом в Москве и Санкт-Петербурге. В столице это - Государственная Третьяковская галерея, Государственный Русский музей, Государственный Исторический музей, Собрание В. Я. Андреева, Собрание Н. А. Соколова, Собрание П. М. Норцова.

В Санкт-Петербурге - Музей-квартира И. И. Бродского, Санкт-Петербругский государственный театральный музей, Собрание С. Н. Валка, Собрание О. И. Рыбаковой, Собрание Я. К. Кунина.

Мастер фотографии

Арно Рафаэль Минккинен

Совсем недавно я наткнулась на работы Арно Рафаэль Минккинена, и честно говоря была приятно поражена. Сам автор известен своими черно-белыми реалистичными фотографиями пейзажей с элементами частей тела. Чаще всего тела принадлежат самому автору. В каждом снимке существует своеобразная концепция, некая загадка. Фотографии сразу притягивают взгляд своей нестандартностью мышления, в каждом снимке существует своя замаскированная нереальность. На первый взгляд ощущение невозможного, но при подробном рассмотрении можно найти вполне простые элементы человеческого тела. В этом и заключается основная концепция Арно Рафаэль Минккинена. И я уверенна, что на это стоит посмотреть!

Немного о фотографе:

Фотограф родился в 1945 году в Хельсинки (Финляндия), но живет в США с 1951 года. Окончив Вагнер колледж с дипломом бакалавра английской литературы, Минккинен первое время занимался копирайтом, но впоследствии увлекся фотографией. Его первая серия черно-белых автопортретов в стиле ню появилась в сентябре 1971 года. Несколькими годами позже автор стал магистром фотографии, окончив Rhode Island School of Design.

В настоящее время Арно Рафаэль Минккинен – профессор искусств University of Massachusetts Lowell, а также доцент University of Art & Design Helsinki. Его работы публикуются и выставляются во всем мире; фотографии автора находятся в коллекциях Музея современного искусства (Нью-Йорк), Музея изобразительных искусств (Бостон), Музея современного искусства (Париж), Национального центра искусства и культуры имени Жоржа Помпиду (Париж), Токийского музея фотографии (Токио) и других.

«Я хотел быть писателем. … Я послал мои рассказы в «New Yorker», но они тут же вернулись назад. Мой брат посоветовал мне заняться рекламой. Я стал писать рекламные тексты и занимался этим пять лет. … Когда я делал рекламу для Минолты, мне представилась возможность что-то узнать о фотографии. Я написал: «Все что происходит внутри твоей головы, может произойти внутри фотоаппарата». После этого я задумался: «Может, это то, что мне нужно? Может перестать рекламировать фотографии других людей, а попробовать сделать свои?» И я послал несколько своих фотографий в Род-айлендскую школу дизайна, но их тут же прислали обратно – также как и мои рассказы…»

Последние сорок лет Минкен преподает и пишет. Но главные творческие силы, как всегда, отдаёт фотографии. Его любимые места, где он создает свои фото картины - Финляндия, Франция, Норвегия, Западная Америка, Швеция, Италия и Китай. Его автопортреты - необработанные фотографии человеческого тела и отдельных его частей в городской среде или же на фоне природы. Ощущение первобытности, желание чувствовать себя таким же свободным и "легким", словно в гармонии с природой - его движущие силы.

Работы фотографа участвовали более чем в двухстах во всем мире. В коллекциях многих музеев мира находятся его фотографии. Так же он удостоен различных наград и премий в области фотографии.

Посмотреть другие работы фотографа мы можете на сайте:http://www.etoday.ru/2011/07/fotograf-arno-minkkinen.php

Десять знаменитых евреев

Выставка "Энди Уорхол: Десять знаменитых евреев" это рассказ о судьбах гениев еврейского происхождения, изменивших жизни многих поколений. Список изображенных на портретах это краткое содержание общей истории 20 века.

   Уорхол — автор целой галереи звездных портретов. Он обожал рисовать знаменитостей. Многие из них были его друзьями. Лиз Тейлор, Лайза Миннелли и другие захаживали к нему в студию, где он щелкал их на полароид, чтобы потом отрисовывать по этим снимкам картины. Кого-то, с кем он не был и не мог быть знаком (Мэрилин Монро или Мао Цзедун), он выбирал сам, неукоснительно следуя принципу изображать только то, что пользуется успехом и спросом. Многие портреты были сделаны на заказ. Состоятельные и знаменитые клиенты считали статусным иметь собственный портрет работы Уорхола.

  На рубеже 70–80-х художник  просил своих приятелей галерейщиков подкинуть ему какую-нибудь хорошую идею. Один из них  — Рональд Фельдман, человек, незадолго до знакомства с Уорхолом перешедший из лоеров в арт-дилеры, — предложил: «Десять американских президентов». Художник заявил, что это скучно. А вот следующая идея Фельдмана — «Десять гениальных евреев» — его зацепила: «Евреи будут продаваться». В топ-10 вошли ученый Альберт Эйнштейн, отец психоанализа Зигмунд Фрейд, израильский премьер Голда Меир, писатели Франц Кафка и Гертруда Стайн, композитор Джордж Гершвин, философ Мартин Бубер, актриса Сара Бернар,  американские комики братья Маркс и первый судья-еврей в Американском верховном суде Луис Брандайс. Всех их вы можете видеть на выставке в Еврейском музее.

   И серия портретов действительно хорошо продавалась. Особенно после того, как была организована серия выставок в разных городах Америки — от Нью-Йорка до Майами. Тогда, критики не скупились на обвинения — " это не искусство, а цинизм и чистая коммерция". Теперь это вряд ли имеет значение. Эта десятка — часть наследия великого Уорхола. На выставке в Москве представлены сами портреты, архивные материалы, фотографии, видеозаписи и интервью, сопровождающие каждый объект.

Уорхол основатель поп-арта

Энди Уорхол - американский художник, дизайнер, издатель журналов, один из основателей поп-арта.

Родился в США, но свои славянские корни на протяжении долгих лет тщательно скрывал. Уорхол учился в Технологическом институте Карнеги, окончив который он отправился покорять Нью-Йорк, где изменил имя (настоящее имя - Андрей Варгола) и работал в знаменитых журналах "Vogue" и "Harper's Bazaar". Энди прославился благодаря банкам супа "Кэмпбэлл". В то время поп-арт только зарождался, поэтому желающих занять место под солнцем было довольно много. Суп "Кэмпбэлл" был шагом, с помощью которого Урхол решил "обогнать" своего конкурента. Почему суп? Версий много: от влияния матери, делавшей из консервных банок цветы до глубокой ненависти к этому блюду и передачи через неё идеи нео-дадаизма. Многие люди, пытались доказать, что именно они подали Уорхолу идею нарисовать банку супа, что доходило до абсурда. Позже Энди Уорхол использовал свои банки с супом и в других работах на разных этапах своего творчества. Как бы то ни было, банки супа "Кэмпбэлл" можно считать культовым произведением искусства, принёсшим Уорхолу знаменитость и богатство.

  

В 1962 году Уорхол создал несколько картин, которые стали сенсацией в мире искусства. В кричащих цветах на них были изображены различные банки от кока-колы, консервов и томатного супа, которые стали визитной карточкой Энди. Арт-критики тут же обратили на молодого художника своё внимание. По их мнению, Уорхол изобразил всю пошлость и пустоту западной культуры. После этого американский художник представил ещё несколько картин, на которых изобразил в необычной манере кумиров современного общества. Среди звёзд, которых рисовал Энди: Мэрилин Монро, Мик Джаггер, Мухаммед Али, Битлз, Майкл Джексон, Ленин и многие-многие другие. В настоящее время цены на его картины доходят до десятков миллионов долларов.

Вокруг фигуры Уорхола собралась целая субкультура молодёжи. Не все среди его поклонников были достаточно адекватны, так как многие из них были настоящими радикалами, нередко алкоголиками и наркоманами. Одной из таких радикальных поклонниц была феминистка Валери Соланас, которая выстрелила в своего кумира и ранила в живот. В результате ранения Энди Уорхол оказался инвалидом, а по прошествии нескольких лет 22 февраля 1987 года известный художник умер от последствий этого ранения.

 

Для меня Уорхол это человек креатив. Ни один художник никогда ранее не изображал нечто похожего! Каждое его творение это концепт! Он обожал рисовать знаменитостей, и не зря, у него это потрясающе получалось. Его работы всегда интересно и актуально смотреть, в каждый холст он растрачивает частичку себя. Именно поэтому его полюбили многие!
А что вы знаете о творчестве Энди Уорхала? 

Делитесь своими комментариями внизу)

Вдохновение

Сегодня я бы хотела поговорить о вдохновении. Ведь ничто не воодушевляет и не подталкивает человека так, как это чувство. Само состояние вдохновения это легкость движения мыслей и образов, ярких моментов воспоминаний и глубоких внутренних переживаний. Когда человек вдохновлен чем-либо, его деятельность становиться гораздо продуктивнее, а он сам чувствует лёгкость или "окрыленность".
Почти все черпают вдохновение из различных источников. Это может быть музыка, фильмы, книги, стихи даже люди порой бывают источником вдохновения. Им может стать всё что угодно!

Пушкин

Некоторым творческим личностям вдохновение приходит исключительно ночью, или во время сна. Ярким примером является известный ученый- химик Д.И.Менделеев, который никак не мог распознать будущую систему периодических элементов. Решение неожиданно пришло к нему во время сна. И уже проснувшись, вдохновленный сном ученый, зафиксировал пришедшее к нему озарение.
Другим для того чтобы вдохновиться необходимо увидеть что-то прекрасное: картинку, скульптуру, природу... И уже в состоянии творческого вдохновения, человека как бы "несёт поток", он может даже не понимать своих действий. Нередко с пребыванием в состоянии творческого вдохновения приходят озарения. Иногда, они проявляются в виде воспоминаний, а порой из-за обычных объектов. Яркий пример творческого озарения при помощи предметов, можно увидеть в полотнах моего любимого художника импрессиониста Сальвадора Дали. Некоторые его картины написаны в творческом озарении, например когда он смотрел на скалы он видел в них нечто своё: образы, линии, предметы. Так и рождались такие шедевры как: "Треугольный час", " Великий мастурбатор", "Загадка желания".

Так же описание состояния собственного вдохновения дал известный гуманист и теоретик  архитектуры Леон-Баттиста  Альберти:
"Я имею обыкновение, главным образом по ночам, когда движения моей души побуждают меня беспокоиться и бодрствовать, исследовать и строить в уме неслыханные машины для передвижения и переноски, утверждения и укрепления вещей огромнейших и трудно представляемых. И кажется мне, что изобрёл я вещи редкие и достойные того, чтобы их запомнить. Иной же раз вместо исследований подобного рода я проектирую и строю некие сложнейшие здания и располагаю ордера и многочисленные колонны с различными капителями и не применявшимися доселе базами, связывая их по-новому и изящно с карнизами и полами."

Лично у меня вдохновение приходит порой очень неожиданно. Это могут быть самые необычные вещи, подталкивающие меня на создание нового рисунка, или ситуации, а порой и сами люди. Меня всегда привлекали необычные люди, необычные не только внешне но и внутренне. Есть в них некая загадка, которую так и хочется открыть людям. Бывает так, сидишь за каким-нибудь делом  и вдруг вспомнился момент детства или забавный случай, так и хочется скорее это зарисовать, просто для себя на клочке бумаги обычной шариковой ручкой. Сам процесс вдохновения прекрасен во всех его проявлениях, будь он ночью или днем - не важно! Главное чтобы он был, и всегда подстегивал тебя на новые творения!Все картинки представленные в этом посте - мои творения)
А как думаете Вы? Что по вашему вдохновение? Пишите свои комментарии внизу, буду рада их прочитать)

Арт искусство от Стива Джобса

Сегодня, я бы хотела познакомить вас с новым веянием в искусстве...
Некоторые художники отбросили привычные холсты, краски и палитры. На сегодняшний день их главным инструментом стал всем знакомый iPad. Некоторые из них уверенны, что будущее арт индустрии зависит именно от произведений технического искусства Стива Джобса. Критики уже именовали подобные произведения искусства, созданные на планшетах, "Наскальными рисунками" и порой упрекают авторов в рекламе.
Один из наиболее ярких представителей данного течения является Дэвид Хокни.
76летний  ветеран поп-арта стал первопроходцем в создании картин на iPad. Вначале планшет служил ему только для эскизов, но впоследствии стал основой для творчества. Талант Хокни к освоению девайсов, известен уже давно. Так, рисовать на компьютере художник начал еще 20 лет назад и пока многие только знакомились с новыми технологиями, Хокни уже жаловался на медленную реакцию техники. Произведения, созданные Хокни на iPad, выставляют в лучших музеях Торонто, Кельна, Лондона, Сан-Франциско и др... Многие из них создавались буквально на ходу, на улице и парках. А некоторые он писал, не вставал с постели. На сегодняшний день единственная его претензия к новым технологиям-отсвечивающий экран, не позволяющий работать при ярком солнце. В апреле 2008 года Дэвид подарил лондонской галерее Тейт свою самую большую картину— «Bigger Trees Near Water» Картина была в 2007 году в Королевской академии искусств.

Люди вдохновленные Хокни:

Одним из из них является Стефан Кардос
Французский художник работает арт-директором компании "Уолт Дисней" в свое свободное время также как Хокни, пишет картины в iPad. Как и многие, начал с айфона, но с развитием современных технологий, постепенно перешел на планшет. Его особенностью является полный отказ от четких силуэтов.
"Рисуя пальцами, та как будто возвращаешься в детство"

"Неужели вам не интересно, что сделали бы Матисс, Шагал или Пикассо, будь у них планшет?" - пишет Синтия Уик.

Вице- президент компании "20й век Фокс" переквалифицировалась в художника после прочтения статьи о Дэвиде Хокни и его работах. Теперь написать картину "не составляет никакого труда". Сегодня рисунки Синтии публикуются в различные журналы и газеты, выставляются в музеях и даже продаются. Самая дорогая её работа, была куплена за 300 долларов. 

Еще одним и далеко не единственным поклонником Хокни является чешский художник, скульптор и архитектор Ростислав Риха. Он прославился благодаря уже нашумевшей технологии AppArt, которую использует для создания своих гравюр. Рихе удалось соединить наскальные рисунки с литографией. Результат он представил на выставке " Планшет в камне" в Праге.

Что вы рисуете в свободное время и какими девайсами пользуетесь?
Оставляйте свои комментарии внизу, мне будет очень интересно узнать, как реализуете своё искусство именно вы?! 

Не спрашивай, куда ушла любовь

Ее творчество принято считать противоречивым и загадочным. Ее называют выдающейся художницей, американско-иранского происхождения, “двойным агентом”  и революционеркой.

Сорокапятилетняя художница Ширин Нешат родилась в иранском городе Казвин. В 1979 году родители отправили ее изучать историю искусств в Калифорнийский Университет. Исламская революция и установление в стране фундаменталистского режима помешали Ширин вернуться на родину, превратив ее в вынужденную мигрантку. Лишь в 1990 году художница смогла вновь посетить свою родину. Ориентированная скорее на западные ценности художница не смогла смириться с принятыми в ее стране угнетением прав женщин и “неверных”, репрессиями, властью эмоций (страха) над разумом. Женская чадра, ранее воспринимавшаяся как предмет поэтизации и символ протеста против навязываемых буржуазным миром стереотипов женской красоты, в современном контексте стала подобием тюремной униформы, отрицающей даже намек на сексуальность и индивидуальность личности. Черно-белый “средневековый” Иран: выкрашенные белой известью дома и женщины в черных чадрах — вот сильнейшее визуальное впечатление, которое Ширин увезла с собой в Соединенные Штаты. Поездка домой, с одной стороны, восстановившая утраченную связь с духовно близкой ей культурой Востока, а с другой стороны, разрушившая иллюзию исламского благополучия, стала главным источником вдохновения для всего дальнейшего творчества Ширин — своеобразного терапевтического акта, давшего возможность выразить пережитое потрясение.

Головокружительная карьера в сфере современного искусства, которой, безусловно, способствовал всплеск всеобщего интереса к исламскому миру, художницы Ширин Нешат началась с фотографической серии “Женщины Аллаха”(1994—1997). Главная героиня черно-белых фотографий — сама художница, одетая в чадру, открытые участки ее тела (лицо, руки, ступни) украшены милитаристской женской поэзией и священными текстами Корана на фарси. Единственным “аксессуаром” Ширин в этой фотосессии, помимо персидской “вязи”, стало ружье, которое то безобидно, как серьга, выглядывает из-за уха (“Безмолвная”, 1996); то угрожающе целится в зрителя, зажатое между ступнями (“Преданность и Бессонница”, 1994), то, подобно кресту или мечу, поднесенному к голове для клятвоприношения или присяги, симметрично разделяет тело на две половины (“Воинственная тишина”, 1994). Черно-белое, подчеркнуто скупое и строгое, a` la ранний Хичкок, изображение создает иллюзию документальности, военной хроники. Эффект катарсиса достигается за счет эксперимента Ширин, обратившейся к собственному телу для выражения личных переживаний и чувств, раздваивающихся между ненавистью и любовью, мятежностью и раболепием, женственностью и мужеством. “Эта садо-мазохистская двойственность, взаимная зачарованность насильника и жертвы и стала главной интригой всего творчества Ширин Нешат”.

Вслед за фотографией Ширин Нешат обратилась к видео. Трилогия видео-инсталляций в форме двойных видео-проекций развивает темы ее ранних фотографических работ. Три фильма  (“Беспокойный”, 1998),  (“Восторг”, 1999) и  (“Страсть”, 2000) сфокусированы на противопоставлении мужской и женской роли в исламском обществе.

Картина “Беспокойный” принесла автору Первую Международную Премию на Венецианской Биеннале и международную известность. Фильм “Беспокойный” появился как реакция на то, что в Иране женщинам запрещено исполнять или записывать музыку. “Если музыка — это выражение мистики и духовности, — говорит Ширин Нешат, — то интересно, почему мужчине дозволено получить подобный опыт, а женщине — нет? В этом фильме женщина нарушает все правила: сначала появляясь в театре, где ей не разрешено находится, затем — исполняя песню, в которой нет слов и которая является чистой импровизацией. Она одинока, ее действия не могут быть одобрены обществом, в котором она живет, но в то же время мы говорим об особой форме свободы, которую достигает эта женщина, о том, какими мятежными и непредсказуемыми могут быть женщины в обществе, где мужчинам уготовано жить определенным традицией образом”.

Первый фильм определил основные принципы видеоработ Нешат. Специфика ее картин: цветовая минималистичность, тщательно подобранное звуковое сопровождение, усиливающее визуальный ряд, предельно метафоричное, построенное на жестких контрастах изображение. Как и героиня своих картин, Ширин Нешат совершает бунт против бесстрастности окружающего мира, который в своем неверии не сильно превосходит мир исламского фанатизма. Она — одна из немногих современных художников, осмелившаяся воспеть красоту, веру и героизм, обратившись к своей национальной и гендерной идентичности без отчуждения и стыда. Жанна Д’Арк от современного искусства, Нешат выступила в постиндустриальном мире стерильности и рациональности со своим лозунгом сверхрационального, гипнотизирующего, природного искусства, обращенного к памяти и архетипам всего человечества. Несколько лет спустя после дебюта художницы, стиль Ширин Нешат стал модным и широко тиражируемым. Оцепенение толпы сменилось бурей аплодисментов. Несмотря на упреки отдельных критиков и запрет на показ в исламских странах, Нешат продолжает побеждать...
 

В 1999 году вышел фильм Нешат “Монолог”. В 2001 году Ширин Нешат совместно с известным композитором-минималистом Филиппом Глассом представила проект — фильм (“Шествие”), премьера которого состоялась в нью-йоркском Центре им. Линкольна. Кроме того, в том же году ею были созданы фильмы  (“Одержимая”) и  (“Биение”).

Работы художницы вы можете увидеть
в Мультимедиа Арт Музее до 20 апреля!Спешите вдохновиться!