Забытый классик

Не так давно была в Третьяковке, очень уж хотелось посмотреть на работы выдающегося художника Матвея Доброва. Для меня было удивительно, что такого, большого таланта назвали забытым классиком.

Ведь творчество Доброва сочетает в себе камерность и лиричность станковой графики с точностью научного рисования. В таком соединении выражается своеобразие мироощущения автора: он воспринимал окружающее одновременно как художник и как естествоиспытатель. Взаимопроникновение искусства и науки определили во многом его творческую биографию.

 С юности Матвей Алексеевич Добров интересовался ботаникой, позже он отучился два курса на физико-математическом факультете Московского университета. Художественное образование начал в 1900 году в школе рисования и живописи К.Ф.Юона и О.И.Дудина, затем поступил на отделение живописи Московского училища живописи, ваяния и зодчества, где учился с 1901 по 1906 год у К.А.Коровина, В.А.Серова, А.С.Степанова.

Добров увлекся искусством гравюры в детские годы, получив на день рождения в подарок от отца, крупного московского врача и мецената, монографию об офортах Рембрандта. Но осуществить свою мечту стать офортистом ему удалось только в 1908 году в Париже, куда по совету К.Ф.Юона он отправился обучаться гравированию в мастерской известной русской художницы Е.С.Кругликовой. Жизнь Доброва в Париже была наполнена разнообразными занятиями, интересами и впечатлениями: он посещал Академию Ф. Коларосси, где рисовал и гравировал ню с натуры, прослушал курс лекций по египтологии в Лувре, увлекся творчеством Айседоры Дункан.

В начале 1910-х годов в Москве Добров смог организовать собственную мастерскую и заново гравировал свои лучшие парижские офорты, в том числе "Памятник Вольтеру" (1911, ГТГ) и "Фонтан Карпо" (1912, ГТГ). Он также создал ряд новых гравюр, среди которых выполненная по луврским зарисовкам "Египетская статуэтка" (1917, ГТГ) – пример использования художником техники меццо-тинто, популярной в России в XVIII – первой половине XIX века, но затем забытой.

С конца 1910-х Добров обратился к теме национального пейзажа. В 1919 году появляются его первые офорты из серии "Мотивы Подмосковья", над которой он работал до конца жизни. В 1920-е, оставшись без офортного станка, Матвей Алексеевич много рисовал. Прекрасным образцом работы тушью с использованием гусиного и тростникового перьев является серия рисунков, исполненных в 1925 году в Алабино – "Деревья у пруда. Алабино", "Дуб. Алабино" (оба – ГТГ) и другие.

 

На протяжении всей жизни художника привлекала анималистика. Изображения животных и птиц появлялись в композициях, навеянных впечатлениями от парижского зоопарка (серия "Птицы", 1911–1912, ГТГ, ГМИИ; "Зебры", 1915, ГТГ), в пейзажных этюдах ("Пейзаж с лошадью. Переславль-Залесский", 1927, частное собрание), в серии больших гравюр "Скачки" (1934–1937, ГТГ, частное собрание). В 1934–1936 годах Добров возглавлял Офортную студию им. И.И. Нивинского, где у него появилась возможность создавать большеформатные офорты, ставшие образцами блестящего технического мастерства: "Рыболовы на Москве-реке", "Оленеводческий совхоз" (оба – частное собрание), "Ремонт сельскохозяйственных орудий в колхозе", "Немцы покидают Калугу" (оба – ГТГ).

Помимо художественного творчества Добров реализовывал себя в педагогике: преподавал в разное время в Государственной школе печатного дела при Первой Образцовой типографии, на кафедре рисования для студентов геологов, ботаников и географов в МГУ, в Московском полиграфическом институте. С 1935 года и до конца жизни Матвей Алексеевич руководил мастерской офорта на графическом факультете Московского государственного художественного института им. В.И.Сурикова. Он стремился увлечь студентов искусством гравюры на металле, хотя понимал, что эта техника не была популярна из-за трудоемкости и сложности работы.
Думаю, что теперь Матвей Добров занимает достойное место среди художников 20века. И я надеюсь, что после такой выставки работ, его уж точно не назовут забытым классиком!

Польская фотохудожница

Они берут за душу, они заставляют грустить, улыбаться, удивляться, восхищаться и радоваться. Они дают возможность на минуточку заглянуть туда, куда не удастся добраться даже самому отчаянному путешественнику. По крайней мере, не здесь, не сейчас, не в этой жизни. Они — волшебные фотоманипуляции Барбары Флорчик (Barbara Florczyk), польской художницы, которая создает неземные пейзажи на основе собственных фотоснимков.Творческое интернет-сообщество знает польскую фотохудожницу под псевдонимом Kokoszkaa.

Несмотря на то, что фотохудожниками повадились называть себя те, кто увлекается пост-обработкой "живых" снимков в графических редакторов, настоящий фотохудожник не ограничивается этими приемами. Потому фотоманипуляции Барбары Флорчик правильнее считать фоторисунками, где смешиваются и перекликаются между собой цифровая живопись, графика и фотография, общими усилиями изменяя исходник практически до неузнаваемости. Такие уловки приводят к тому, что будничный пейзаж, пропитавшись атмосферой фэнтезийных книг, мультфильмов, видео, а также настроением творческих работ других мастеров цифрового искусства, превращается в пейзаж неземной, нереальный, — а это всегда манит, привлекает, завораживает.

Наряду с пейзажами из волшебных миров, фотоманипуляции Барбары Флорчик включают в себя портреты, а точнее, образы людей, невесомых, прозрачных, словно они бестелесные феи, населяющие ту, неземную часть мира. Несмотря на то, что все работы фотохудожницы выполнены в преимущественно темных, почти готических тонах, в них есть что-то такое, нежное и трогательное, что и задевает струны души любого, кто им откроется, прочувствует, поймет.

Я люблю рассматривать её творения, ведь они полность расскрывают крсоту нашего мира! Грацию и женственность девушки, легкость и свежесть цветов, манящих закатов. Смотря на эту красоту, нельзя не вдохновиться! Чего Вам и желаю при просмотре!
Посмотреть ещё больше работ вы можете на сайте:http://500px.com/BarbaraFlorczyk

Мрачное творчество Здислава Бексински

Здислав Бексински (Zdzisław Beksiński) — известный польский художник и фотограф.

Бексински родился в Саноке (Sanok) на юге Польши. После завершения обучения архитектуре в Кракове в 1955 году, он вернулся в Санок. Несколько лет после этого Бексински работал бригадиром на стройке. Эту работу он ненавидел. В этот период Бексински заинтересовался художественной фотографией, фотомонтажем, скульптурой и живописью. Он оказался новаторским художником, особенно для коммунистической страны. Он создавал скульптуры из гипса, металла и проволоки. Фотографии Бексинского стилистически были похожи на его будущие работы в живописи, представляя собой изображения морщинистых лиц, неровных ландшафтов, объектов с очень бугристой поверхностью, эффект от которых усиливался игрой с источниками света и тенями. Среди его фото работ также можно встретить различные тяжёлые образы, такие как изуродованная кукла с разодранным лицом, портреты людей без лиц или с полностью забинтованными лицами.Позднее Бексински сконцентрировал свои творческие усилия на живописи. Его первые картины относились к абстрактному искусству, но на протяжении шестидесятых годов он всё более склонялся к сюрреализму.

В 1970-х годах Бексински вступил в период, который он сам назвал «фантастическим», который продолжался вплоть до поздних 80-х годов. Это наиболее известный период его творчества, когда он создавал свои самые знаменитые впечатляющие образы, изображающие сюрреалистические, постапокалиптические картины сцен смерти, распада, пейзажи со множеством скелетов, искажённых тел, пустынь.

 

Все они были написаны с его особым вниманием к мельчайшим деталям, особенно когда это касалось отображения грубых, неровных поверхностей. Несмотря на мрачное исполнение, Бексински считал, что многие его работы недопоняты, так как они достаточно оптимистичны и даже забавны.

1980-е годы стали переходными в творчестве Бексинского. Произведения ранних 90-х годов в основном представляли собой серию сюрреалистических портретов и крестов. Они были намного менее богаты деталями, чем работы «фантастического периода», но не менее убедительными и сильными.

 

Другие картины Здислава Бексински вы можете на сайте:  http://beksinski.dmochowskigallery.net/galeria.php?artist=13
а так же в группе в вконтакте: http://vk.com/beksinski

Цветочная жизнь Клер Баслер

Клер Баслер – французская художница, которая влюблена в цветы. Она превратила в огромный цветник свою студию, которая больше похожа на роскошный зимний сад, чем на обычную мастерскую. 

 Художница ежедневно пишет картины, на которых, словно по волшебству, расцветают беззащитные маки, нежные пионы и утонченные лилии.

Клер создает огромные цветочные картины и ставит их вокруг своего дома, используя их в качестве источников вдохновения. «В своем саду, она видит борьбу природы за жизнь против ветра, дождя и солнца. Это то, что Клер Баслер изображает в своих картинах, а именно: сила и слабость цветка, уверенности в природе».

Студией Клер Баслер не перестают восхищаться друзья и коллеги. В частности, известная фотограф Кирсти Митчел как-то призналась, что ей не доводилось видеть столь прекрасных студий, в которых «мозг буквально взрывается от восторга». Она даже шутливо добавила, что если и мечтает где-то умереть, то, скорее всего, в этом прекрасном месте. Сама хозяйка тоже души не чает в своей мастерской. Она обустроила ее в здании бывшей школы в городке Les Ormes (пригород Парижа). Здесь она не только работает, но и живет. Ежедневно она следит за тем, чтобы в доме было необходимое количество цветущих растений, так как они вдохновляют художницу на творчество. 

Художница любит наблюдать за тем, как растут цветы в ее саду. Ей интересно, как растения борются против ветра, дождя и солнца, как тянутся к свету. В этом – очарование живой природы, в ее одновременной силе и слабости. Эту внутреннюю сущность всего живого художница стремится изобразить на своих полотнах.

О художественной мастерской Клер Баслер неоднократно писали СМИ, а так же делали фоторепортажи об оригинальной домашней студии. 

 

Познакомиться с творчеством Клер, 

а так же посмотреть интерьер её дома 

вы можете на сайте:http://www.clairebasler.com/

Салли Сватланд - "Дни детства" и " Прогулки у моря"

Салли Сватланд -  американская художница. Которая обожает искусство и, как все импрессионисты, любит экспериментировать со светом.
 Салли родилась в 1946 г. в Вашингтоне, округ Колумбия. Ее отец был успешным поверенным, который позволил ее семье проводить длительные периоды в сельской местности, к тому же еще совершать поездки во время каникул в различные приморские места по всему США. Ее вместе с ее семьей завораживала красота берегов океана, игра света, и потоки свежего воздуха. Большинство летних дней она проводила на берегу, играя в приливно-отливных потоках воды, преследуя пескарей, собирая ракушки и изучая все находки.

Салли имеет двух сестер, которые были также погружены в изучение искусства рисунка, живописи, и многого другого, что развивало творческое выражение. В периоды ее детства и позднее в подростковом возрасте она смешивала краски, рисовала, постоянно развивая навык при созерцании окружающего мира вокруг нее. Она начала рисовать, когда ей было пять. Везде, и в начальной (средней) школе, и в колледже она всегда дополнительно училась мастерству в художественных классах. В настоящее время Салли  член Обществ: американское Импрессионистское Общество; американское Общество Морских Художников; американское Общество Художников Портрета и Ассоциации Искусства Кейп-Кода. Ее любимые образы – дети, играющие в лужицах от прилива, ловящие пескарей, собирающие раковины, такие, какой была она сама в детстве. Они естественны, беззаботны, раскованы и всегда окружены красотой природы.

"Дни детства" и " Прогулки у моря" - это серии работ художницы, в которых ощущается легкость и ненавязчивость. Смотря её картины чувствуется умиротворенная красота природы, детей, цветов... Мир глазами Салли чист и прекрасен, в нем есть легкий ветерок, теплое солнышко, ароматы трав и морского бриза, вызывает исключительно позитивные эмоции.
Люблю эту художницу, за то, что в любой день, когда я в стрессе или же просто нет настроения, её творения всегда меня спасают. На мой взгляд, она способна всколыхнуть душевное состояние многих людей в подобных (стрессовых) ситуациях. Во всяком случае, многих она уже изменила!

Несколько работ из серии "Дни детства":

Работы из серии " Прогулки у моря":

Посмотреть другие работы вы всегда можете на сайте:http://www.rehs.com/essay.html?key=27

Грязное искусство на автомобилях

Совсем недавно, листая ленту наткнулась на весьма необычный вид искусства. И вот решила поделиться им с Вами! Что вы делаете, если ваша машина стала грязной? -Едите на мойку? А вот художник Скотт Уэйд превращает грязные автомобили в произведения искусства, рисуя на пыльных стеклах. Некоторые люди  не могут удержаться от того, чтобы оставить какую нибудь «остроумную» надпись на пыльном стекле, находясь рядом с автомобилем. Некоторые могут нарисовать пальцем пару рожиц, сердечек, цветочков или небольшую картинку. Но то, что вытворяет Скотт Уэйд с автомобилями — это что-то необыкновенное!

Скотт Уэйд использует грязные окна автомобилей как полотно для создания невероятных, но, к сожалению, временных шедевров. На одну картину он тратит не меньше четырех часов, совершенствуя детализацию и глубину рисунка, один небольшой дождь достаточен, чтобы уничтожить его усердную работу. Но умелый художник не расстаивается поэтому поводу, ведь рисование на пыльных стеклах автомобилей его любимое хобби на которое он тратит все свободное время. Скотт не ждет столько времени, чтобы машина стала грязной, а использует специальный гель, который наносит на стекло автомобиля и обычный фен, которым он потом распыляет пыль. Этот процесс занимает всего 10 минут. Как утверждает Скотт Уэйд, для создания холста естественным путем с необходимым количеством пыли, нужно проездить по грунтовой дороге около 7 дней. Скотт Уэйд живет в Сан-Маркосе (штат Техас) и путь к его дому пролегает по длинной грунтовой дороге, поэтому его машина всегда в пыли, а мыть ее каждый день не имеет смысла. К тому же, рядом с домом всегда были грязные автомобили и художник часто рисовал каракули на задних стеклах своего и соседских автомобилей. Обычно это были смешные рожицы и небольшие карикатуры на соседей, но потом  Скотт Уэйд начал экспериментировать с методами затемнения рисунка. Сначала он пытался это сделать с помощью легкого нажатия пальца руки, но ничего толкового не выходило, пока однажды Скотт Уэйд не попробовал порисовать изжеванной палочкой от эскимо. Тот эффект который получился сразу понравился Скотту и он понял, что для такой работы  очень хорошо подойдут кисточки разной жесткости. Со временем он разработал несколько методов, которые использует по сей день для отрисовки деталей рисунка с различной степенью затемнения. Вот несколько его  работ:

Русские решили не отставать, и так же создавать подобные картины. Надеюсь скоро, стоя в пробках можно будет получать удовольствие от увиденного!)))