Не спрашивай, куда ушла любовь

Ее творчество принято считать противоречивым и загадочным. Ее называют выдающейся художницей, американско-иранского происхождения, “двойным агентом”  и революционеркой.

Сорокапятилетняя художница Ширин Нешат родилась в иранском городе Казвин. В 1979 году родители отправили ее изучать историю искусств в Калифорнийский Университет. Исламская революция и установление в стране фундаменталистского режима помешали Ширин вернуться на родину, превратив ее в вынужденную мигрантку. Лишь в 1990 году художница смогла вновь посетить свою родину. Ориентированная скорее на западные ценности художница не смогла смириться с принятыми в ее стране угнетением прав женщин и “неверных”, репрессиями, властью эмоций (страха) над разумом. Женская чадра, ранее воспринимавшаяся как предмет поэтизации и символ протеста против навязываемых буржуазным миром стереотипов женской красоты, в современном контексте стала подобием тюремной униформы, отрицающей даже намек на сексуальность и индивидуальность личности. Черно-белый “средневековый” Иран: выкрашенные белой известью дома и женщины в черных чадрах — вот сильнейшее визуальное впечатление, которое Ширин увезла с собой в Соединенные Штаты. Поездка домой, с одной стороны, восстановившая утраченную связь с духовно близкой ей культурой Востока, а с другой стороны, разрушившая иллюзию исламского благополучия, стала главным источником вдохновения для всего дальнейшего творчества Ширин — своеобразного терапевтического акта, давшего возможность выразить пережитое потрясение.

Головокружительная карьера в сфере современного искусства, которой, безусловно, способствовал всплеск всеобщего интереса к исламскому миру, художницы Ширин Нешат началась с фотографической серии “Женщины Аллаха”(1994—1997). Главная героиня черно-белых фотографий — сама художница, одетая в чадру, открытые участки ее тела (лицо, руки, ступни) украшены милитаристской женской поэзией и священными текстами Корана на фарси. Единственным “аксессуаром” Ширин в этой фотосессии, помимо персидской “вязи”, стало ружье, которое то безобидно, как серьга, выглядывает из-за уха (“Безмолвная”, 1996); то угрожающе целится в зрителя, зажатое между ступнями (“Преданность и Бессонница”, 1994), то, подобно кресту или мечу, поднесенному к голове для клятвоприношения или присяги, симметрично разделяет тело на две половины (“Воинственная тишина”, 1994). Черно-белое, подчеркнуто скупое и строгое, a` la ранний Хичкок, изображение создает иллюзию документальности, военной хроники. Эффект катарсиса достигается за счет эксперимента Ширин, обратившейся к собственному телу для выражения личных переживаний и чувств, раздваивающихся между ненавистью и любовью, мятежностью и раболепием, женственностью и мужеством. “Эта садо-мазохистская двойственность, взаимная зачарованность насильника и жертвы и стала главной интригой всего творчества Ширин Нешат”.

Вслед за фотографией Ширин Нешат обратилась к видео. Трилогия видео-инсталляций в форме двойных видео-проекций развивает темы ее ранних фотографических работ. Три фильма  (“Беспокойный”, 1998),  (“Восторг”, 1999) и  (“Страсть”, 2000) сфокусированы на противопоставлении мужской и женской роли в исламском обществе.

Картина “Беспокойный” принесла автору Первую Международную Премию на Венецианской Биеннале и международную известность. Фильм “Беспокойный” появился как реакция на то, что в Иране женщинам запрещено исполнять или записывать музыку. “Если музыка — это выражение мистики и духовности, — говорит Ширин Нешат, — то интересно, почему мужчине дозволено получить подобный опыт, а женщине — нет? В этом фильме женщина нарушает все правила: сначала появляясь в театре, где ей не разрешено находится, затем — исполняя песню, в которой нет слов и которая является чистой импровизацией. Она одинока, ее действия не могут быть одобрены обществом, в котором она живет, но в то же время мы говорим об особой форме свободы, которую достигает эта женщина, о том, какими мятежными и непредсказуемыми могут быть женщины в обществе, где мужчинам уготовано жить определенным традицией образом”.

Первый фильм определил основные принципы видеоработ Нешат. Специфика ее картин: цветовая минималистичность, тщательно подобранное звуковое сопровождение, усиливающее визуальный ряд, предельно метафоричное, построенное на жестких контрастах изображение. Как и героиня своих картин, Ширин Нешат совершает бунт против бесстрастности окружающего мира, который в своем неверии не сильно превосходит мир исламского фанатизма. Она — одна из немногих современных художников, осмелившаяся воспеть красоту, веру и героизм, обратившись к своей национальной и гендерной идентичности без отчуждения и стыда. Жанна Д’Арк от современного искусства, Нешат выступила в постиндустриальном мире стерильности и рациональности со своим лозунгом сверхрационального, гипнотизирующего, природного искусства, обращенного к памяти и архетипам всего человечества. Несколько лет спустя после дебюта художницы, стиль Ширин Нешат стал модным и широко тиражируемым. Оцепенение толпы сменилось бурей аплодисментов. Несмотря на упреки отдельных критиков и запрет на показ в исламских странах, Нешат продолжает побеждать...
 

В 1999 году вышел фильм Нешат “Монолог”. В 2001 году Ширин Нешат совместно с известным композитором-минималистом Филиппом Глассом представила проект — фильм (“Шествие”), премьера которого состоялась в нью-йоркском Центре им. Линкольна. Кроме того, в том же году ею были созданы фильмы  (“Одержимая”) и  (“Биение”).

Работы художницы вы можете увидеть
в Мультимедиа Арт Музее до 20 апреля!Спешите вдохновиться!

Искусство пастели

"ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ" ОТКРЫВает ИСКУССТВО ПАСТЕЛИ

Традиционная сменная экспозиция из фондов графики на этот раз реконструирует вызвавшую большой интерес у публики выставку 2014 года, посвященную искусству пастели, самой хрупкой и изысканной из графических техник. Сохранность "сыпучих" пастельных произведений не позволяет их часто и продолжительно экспонировать. Поэтому выставка пастели – всегда значительное событие.

В собрании Третьяковской галереи хранится около 800 пастелей, некоторые из них были приобретены еще П.М.Третьяковым. На выставке представлено около 150 наиболее интересных произведений, отражающих разные жанры, формальные художественные приемы, смены вкусов и направлений. Любимая художниками разных эпох, пастель получила наибольшее распространение в XVIII столетии. Именно тогда, во второй половине века, эта техника появилась в России. Первыми известными нам пастелистами были иностранные мастера – Г.-Ф.Шмидт, В.Эриксен, И.-Г.Шмидт, И.Барду и их младший современник К.Барду. В созданных ими портретах перед зрителями предстают живые человеческие лица – и знаменитые, и безвестные. 

Удивительно, что такой хрупкий и воздушный материал, как пастель так великолепно сохранился до нашего времени. Многие работы 1800 годов!! Сохранилась сила цвета и четкость линий, живописная прозрачность, все великолепие выставленных работ Серова, Бакста, Левитана, Серебряковой, Врубеля и многих других...

Выставка оставляет очень приятные впечатления и яркое солнечное настроение!

Выставка проходит в Третьяковской галерее до 18 мая
Спешите вдохновиться!

" НЕЗРИМОЕ" Джессики Лэнг

Смысл фотографии - жить не прошлым, не будущим - жить настоящим моментом

В рамках десятого Международного месяца фотографии в Москве открылась выставка Джессики Лэнг, актрисы, покорившей сначала Кинг-Конга, а затем весь остальной мир - в фильмах "Почтальон всегда звонит дважды" Боба Рейфелсона, "Крупная рыба" Тима Бёртона,  "Сломанные цветы" Джима Джармуша... Обладательница двух "Оскаров" - за роль второго плана в фильме Сидни Поллака "Тутси" и за главную роль в фильме "Голубое небо" Тони Ричардсона и пяти "Золотых глобусов" и стать новым лицом рекламной компании Марка Джекобса.

 Джессика Лэнг в последние годы переживает новый виток популярности, терь в качестве сериальной актрисы. Пережив уже три сезона сериала "Американская история ужасов" кроме того, она активно занимается фотографией. Назвать это просто увлечением было бы несправедливо, ведь Лэнг уже вполне можно считать профессиональным фотографом.  В её фотопроект "Незримое" вошли снимки, сделанные в поездах по всему миру, на которых она запечатлела случайные ситуации и необычные лица. Это классическая черно-белая фотография, созданная будто полвека назад. В ней нет непонятных мотивов или замысловатых сюжетов.
Выставка "Незримое",  включает 140 фотографий, снятых с начала 1990-х, - это ее третий проект, который ММАМ представляет вместе с Photography (Мадрид) и Howard Greenberg Gallery (Нью-Йорк). До этого в 2008-м она выпустила книгу со скромным названием "50 фотографий", а в 2011 - сделала книгу и выставку "В Мексике".Несколько фотографий с выставки:

Небольшой кусочек интервью Джессики  Лэнг о выставке:

Фотография для вас своего рода была первой любовью. Или, по крайней мере, первым выбором: когда вы поступили учиться в университет Миннесоты на отделение искусств в 1967 году, вы увлеклись черно-белой фотографией. Обращение к "Лейке" в 1990-е было своего рода возвращением в юность?

Джессика Лэнг: Я заинтересовалась фотографией, потому что в университете познакомилась с несколькими молодыми фотографами и документалистами. Потом я уезжала в Европу, жила там, возвращалась в Нью-Йорк. Я попала в круг очень известных фотомастеров того периода. Это было все равно как оказаться в гуще мощного фотографическом семинара, который вели Роберт Франк, Ларри Кларк, Дени Лайонз... Между прочим, первый фильм, в котором я участвовала, был снят Робертом Франком. Это было в 1971 или 1972 году. Но я двинулась в другом направлении, увлеклась театром, а не совершенствоваться в фотографии. Возможно, это была большая ошибка.

Ошибка? Тогда на редкость удачная...

Джессика Лэнг: Во всяком случае, когда я оглядываюсь назад, в прошлое, то, понимаю, что если бы я продолжала заниматься фотографией с тех пор, с семидесятых, то это была бы другая жизнь.

Но одно влечет за собой другое. В Нью-Йорке я изучала танец, театральное искусство, увлеклась пантомимой, потом снова вернулась в театр, потом начала ходить на кинопробы, участвовать съемках - словом, моя жизнь потекла совсем в другом направлении. Когда я вернулась к фотографии... Да, я помню, как волновала таинственная темнота фотолаборатории. Вновь своего рода одиночество. В каком-то смысле это было возвращением к тому, что мне действительно очень нравилось.

Но между этими двумя периодами я не забывала о фотографии. Я просто не снимала сама. Но я собирала работы известных фотографов, окружала себя ими.

У вас большая коллекция?

Джессика Лэнг: Да, большая. Есть работы Уолкера Эванса, Анри Картье-Брессона, Альфреда Стиглица, Йозефа Куделки... Есть фотографии Мануэля Алвареса Браво... Это великий мексиканский фотограф, он выставлялся вместе с сюрреалистами, дружил с Диего Риверой и Тиной Модотти, как фотограф работал с Эйзенштейном, Бунюэлем, Джоном Фордом... Что еще дома висит на стене? Много работ фотографов, которые снимали для Администрации по защите фермерских хозяйств во время Великой депрессии... Я хочу сказать, что хотя сама я не была вовлечена в фотографический процесс, я была окружена фотографиями.

Выставка, которая открывается в Москве, называется Незримое . Этот проект связан с Вашим интересом к буддизму?

Джессика Лэнг: Фотографии свойственна определенная медитативность. И как раз этот аспект фотографии для меня сближает его с актерской игрой. Я имею в виду идею присутствия в настоящем, которое есть в буддистском учении. Смысл ее в том, чтобы жить не прошлым, не будущим - жить настоящим моментом. Если вы отвлеклись, собираясь снимать, если вы рассеяны, то вы ничего не увидите. Также и в актерской игре. Если вы не сосредоточены на исполнении роли, не собраны в момент спектакля или съемок, то роли по сути нет, от нее остается только идея. Фотография в этом смысле - прекрасный способ дисциплинировать себя. Она требует от вас реального присутствия здесь и сейчас. Это все связанные вещи, они дополняют друг друга.

Получается, для вас занятия фотографией - продолжение актерской профессии?

Джессика Лэнг: Отчасти. Если продолжать искать точки пересечения между ними, то, наверное, меня притягивает в фотографии ее кинематографический потенциал. Ее экспрессивность, драматургия, которая возникает благодаря освещению, жесту, приближению к объекту съемки. Из всего этого складывается повествование... Вот эти элементы, из которых складывается рассказ, сближают фотографию с историями, которые появляются на экране или на сцене.
Но вообще-то фотография для меня скорее освобождение от зависимостей, которыми полна актерская профессия. Фотография - очень одинокое, приватное занятие, где важны только мой взгляд, мои реакции и камера. Во время съемок же ты никогда не бываешь одна. Театр, кино подразумевает сотрудничество, сотворчество с другими актерами. Это всегда взаимодействие. Есть режиссер, который решает свою задачу, в фильме есть монтаж... Кроме того, профессия актера предполагает публичность, за человеком на сцене (и не только) наблюдают сотни глаз. Фотография - это возможность наблюдать самой. Она позволяет почувствовать себя безымянным зрителем. Словом, для меня фотография - возможность реализовать свое собственное индивидуальное видение и оставаться при этом в сфере частного, не публичного существования.

Выставка проходит до 20 апреля
В мультимедиа-арт-музее
Дополнительная информация о выставке на сайте http://voxxter.ru/event/278

Парижский период

 Выставка Зинаиды Серебряковой

 Выставка Зинаиды Серебряковой приурочена к ее предстоящему 130-летию. Более 70 живописных и графических работ, ранее не выставлявшихся в Москве, привезли из парижской мастерской художницы. Здесь же - и произведения ее детей, Александра и Екатерины Серебряковых.

Про Серебрякову, кажется, уже много всего известно, но при этом за ней тянется шлейф загадочности. Что удивительно: она всю жизнь была скромна и застенчива - хотя, судя по ее картинам, явно внутри сидели какие-то демоны, влекли ее эти манящие, бесстыжие светотени, вкусы и запахи тел, будь то ее крестьянки, эмигрантки или марокканки. 

Про самый известный свой автопортрет, "За туалетом", сразу купленный Третьяковкой и попавший в шедевры русского искусства (в 1910 году 25-летняя художница впервые выставила свою работу), Серебрякова писала, как про случайную безделицу: "Мой муж был в командировке для исследования северной области Сибири, в тайге... Я начала рисовать себя в зеркале и забавлялась изобразить всякую мелочь...

В ее картинах люди находили что-то от Венецианова, что-то Дега, ее причисляли к "модернам" - хотя она помешательства на "модерне" опасалась, оставалась верна себе и своей живописи, реалистичной "по-новому". Она не скрывала, что любит ню, и у нее их правда множество, и ее женщины прекрасны, хотя формы их далеки от анорексичных представлений о прекрасном двадцать первого века. В одной ее "Бане" толкается сразу одиннадцать женских тел. Лица ее героинь, наверное, не идеальны. В каждой есть что-то от нее самой - чуть длинноватый нос Пьеро, лукавый взгляд, полуулыбка, тени грешных мыслей.

Ощущение света и радости - вот что такое Серебрякова. Ее уверяли, что это немодно. Кому-то и в наше время свет и радость анемично-старомодны. Но тьма не имеет смысла, когда нет света. Злость оказывается бессмысленной - когда нет радости. Прожила Серебрякова, может,  и непрактично. Умерла 83-летней, в 1967 году, только-только собрав вокруг себя всех детей. Тогда уже ее работы стали лихорадочно скупать музеи, теперь ее скупают олигархи, - хотя так и не научилась сама она пробиваться и добиваться признания" Прожила скромно - и  оказалась бесценной!Выставка "Зинаида Серебрякова. Парижский период. Александр и Екатерина Серебряковы"  открыта до 30 марта в Третьяковской галерее
(Инженерный корпус, 3-й этаж, Лаврушинский переулок, 12).

Последняя сказка Риты

Фильм Ренаты Литвиновой и Земфиры Рамазановой

Картина густо окутана облаками духов и табачного дыма, выражает пристрастие автора к такому типу красоты - красоты страшной предсмертной силы.

Последняя сказка Риты - это притча о смерти, где Литвинова ангел смерти, который работает в морге и сопровождает неизлечимо больную пациентку Риту Готье в последние дни её жизни. Главную роль сыграли фигуры создательниц ленты - Ренаты Литвиновой и Земфиры Рамазановой. Их работа - проект независимый и малобюджетный. Картину Литвинова снимала на свои деньги, и неоднократно подчеркивала: "Это действительно очень принципиальный артхаус, и снималось все в одном подвале, и незаконно на улицах города. Это снято за гроши, на свои сбережения. Все сделано без большого штата съёмочной группы. Главными соратниками были артисты и художники.
Три главные героини прекрасны во всех сценарных ипостасях. Роль Оли Кузиной - Маргарита Готье. Её лечащего врача Татьяна Друбич. Особую роль в фильме играет саундтрек - музыка Земфиры. Она композитор и продюсер ленты. Критики отметили, что картина Литвиновой вместе с музыкой Земфиры увлекает зрителя. В этом и есть весь режиссерский ход картины! Хотя в первую очередь зрителя увлекает скорее не фильм,а образ режиссера!
Те кто не знаком с образом Ренаты Литвиновой, или же не совсем его понимает советую посмотреть интервью Литвиновой с Познером! Очень увлекательная беседа! Вы точно будете поражены её искренности и открытости! http://www.youtube.com/watch?v=mvFAo8Zrcis
Есть актеры интеллектуальные, есть интуитивные, есть эмоциональные, а она - редкий тип актрисы физиологической. Одних он неудержимо притягивает, других необъяснимо отталкивает.
" Красота - это страшная сила" - сказала героиня Раневской, примерив нечто подобное тому сооружению, в каком является призрак усопшей Риты ее закадычной подруге. Нечто склеено из дымящихся сигарет и входит в коллекцию удивительных вещей, которыми балуются вечно дымящие женщины фильма.

Фильм обладает замечательной особенностью все сущее превращать в Ренату Литвинову. Почти все актрисы неотличимы от нее и в груме, и в повадке, и в способе разговаривать. В центре , конечно же, она сама в роли ангела смерти. Миссия ангела - сделать уход Маргариты Готье на тот свет максимально комфортным. Ангелу необходимо следить за пациенткой в реальном мире, поэтому он принимает обличье медсестры местной больницы. В картине существует невидимая загадка в виде сигареты в животе, ожившего командора с площади Гагарина, размороженного хорька и песни " Послушайте, вы обязательно что - то разрушите", спетая Земфирой в образе Литвиновой.

 После показа картины на Московском кинофестивале, мнения критиков разделились. Вся лента вызвало очень неоднозначную реакцию. А зрители не спешили расходиться.
В фойе кинотеатра " Художественный" критики долго спорили и обсуждали все плюсы и минусы. Одни говорили, что эта лента - открытие , сенсация на художественном уровне, добавляя что только лучшие режиссёры снимают о смерти. Другие считали картину красивой, но не впечатляющей. Так же у некоторых сложилось впечатление, что Литвинова слишком переиграла в саму себя.
Понять кто же из них был прав, вы сможете после просмотра картины!
Приятного вам просмотра!

"Поставщик счастья"

Легче забыть 100 поцелуев, чем один-единственный…

Есть на свете такие люди, которым удалось найти свой путь в жизни. Украинский художник Евгения Гапчинская одна из таких. Поставщик счастья №1 – так она сама себя называет. Ее работы сложно спутать с другими – удивительные человечки с детскими подписями в духе «Мама купила мне трусы в розочках» или «Я знаю, где прячутся солёные огурчики». Эти трогательные и душевно-скругленные персонажи пришлись по сердцу многим, кто их видел.

Некоторые девочки рождаются сразу принцессами!

Уроженка Харькова Гапчинская родилась в большой семье – пятым ребенком. Окончила в родном городе художественное училище и институт, год стажировалась в Нюрнбергской академии искусств. По словам художницы, в Киев она попала «от отчаяния и полной нищеты». «Если бы меня взяли в Харькове хотя бы маникюршей, то я бы в Киев не приехала», – говорит Евгения. Уже на последнем курсе в институте Евгения Гапчинская поняла, что найти работу по специальности ей будет нелегко:  Последний курс был дипломным, весь год мы рисовали одну большую картину. Но для меня это было смешно, потому что я картину год не рисую – появилось свободное время». «В этот дипломный год я начала переучиваться. Уже понимала, что мои работы в салоны не берут… То, что я умела рисовать – натюрморты, портреты, живых людей – было совершенно никому не нужно».

Арбузик

Я знаю где прячутся солёные огурчики

По словам художницы, своих человечков она тогда еще не рисовала: «Я рисовала так, как меня учили в институте – полный реализм, репинский… После института мне надо было два года, чтобы как-то поломать то, как я рисовала до этого». Весь последний год в институте Евгения искала работу: «Переучивалась, заканчивала курсы маникюра, делала ремонты, клеила обои и так далее. Как раз к концу обучения я пошла искать работу в парикмахерской, но меня нигде не брали».«Еще два года я перебивалась – работала в рекламном агентстве менеджером, в торговой компании, которая торговала чешским пластиком, растамаживала грузы… В общем, я переходила с работы на работу. Слава Богу, нигде меня не увольняли, мне просто хотелось чего-то нового, более интересного. Таким образом, я сменила шесть работ». 
Последним местом работы перед уходом в «свободное плавание» была позиция арт-галериста в галерее «Срібні дзвони»: «Я открыла «Золотые страницы» – к тому времени я уже почувствовала свои организаторские способности, умела разбираться в искусстве – и подумала, что могла бы устраивать выставки». Решение заниматься исключительно живописью пришло к Евгении Гапчинской, когда она уже работала в галерее и впервые после окончания институту начала рисовать: «Рисовала по ночам. За полгода собралось около 15 работ. В принципе это уже были работы, подобные нынешним». «Тогда, я помню, хозяйка галереи разрешила мне сделать там свою выставку. После первой выставки начали писать в газетах, каких-то журналах. Но это были крошечные заметки».

Непослушные бабочки

Трёхлетняя Мона Лиза

Толчком к окончательному уходу из галереи послужила заметка в журнале «The Ukrainian», который предлагается пассажирам самолетов: «Из-за журнала ко мне прилетел директор Венского музея «Albertina».

«Он сделал заказ на 15 работ о своем музее – рыженькая девочка, которая путешествует по мастерским художников, которые представлены у них в музее. Были даны конкретные сроки».«Это был решающий момент – мне пришлось выбирать: либо я хожу на работу и отказываюсь от этого проекта, потому что я не успею за данные сроки сделать эти работы, либо надо увольняться. Я выбрала увольнение».

Уходила Евгения с тяжелым сердцем – на неопределенное время она оставалась без ежемесячного заработка, зато на ней уже «висел» большой кредит на мастерскую.
«Но отрыв все же произошел». – говорит художница.

До открытия своей галереи Гапчинская старалась выставляться где только можно. Кроме выставок в галереях и музеях, картины художницы представлялись и в банке, и в ресторанах.
«Куда звали, туда и шла. Мне всегда было важно, если обо мне узнают еще два человека, а если десять – то это уже классно». Объявления о своих первых выставках Евгения сама разносила по редакциям, пытаясь привлечь к своим работам как можно больше внимания.

Герои Гапчинской – маленькие смешные то ли дети, то ли ангелы – объедаются шоколадом, любят колбаску и позировать в красивых нарядах. Работы художницы наполнены первозданным, ни капли не пошлым позитивом, который гарантированно поднимает настроение даже самому угрюмому скептику.

Девчата

Полотна Гапчинской могут вызвать самую разную палитру чувств, однако равнодушными остаются единицы. Всех сюжетных линий здесь не перечесть. Обязательно «прогуляйтесь» на сайт Евгении, там, конечно, милых картинок больше: http://gapchinska.com/

Художница утверждает, что в ее картинах нет никакой супер идеи или послания человечеству: «Я просто рисую то, что мне хочется», — рассказывает Гапчинская.
Для успеха не только в среде художников, но и в любом другом деле у Гапчинской есть один совет: «Он подойдет и производителю туфлей, сумок, водки, пирожных, любому человеку, который что-то делает:Не пить, меньше спать, меньше есть, больше работать, не отчаиваться, когда что-то не получается. Это рецепт для любой профессии, для любого вида деятельности. Здесь все равно – делаешь ты картины или шьешь белье. Если ты не успокаиваешься, то все у тебя получится».

Посетить галерею Гапчинской  вы можете по адресу:Москва, Сатинский переулок, дом 7/14, квартира 36, 3 подъезд,тел.: 7 495 650 21 28пн-пт - 11.00-20.00сб-вс - 12.00-18.00

ОТКРЫТИЕ 9 МОСКОВСКОГО МЕЖДУНАРОДНОГО ФЕСТИВАЛЯ "ВИРТУОЗЫ ГИТАРЫ".

Фестиваль "Виртуозы гитары".

Романтическая темпераментная гитарная музыка в исполнении мастеров современности.

На гитаре играют не только в Италии или Испании - есть виртуозы и в России, и даже Японии! Лучшие из лучших прилетают весной в Москву на 9 Московский международный фестиваль, чтобы поразить публику своим безграничным репертуаром. Музыканты охватывают произведения Баха и Паганини, Бетховена и Шопена. На фестивале всего шесть концертов, после которых вам точно не захочется уходить!

Фестиваль проходит с 12-22 марта в Концертном зале имени П. И. Чайковского
 Открытие пройдет 12 марта в 19:00 по Московскому времени.

Ставший уже традиционным московский смотр сегодня входит в число самых известных гитарных фестивалей мира, его концертов ждут и поклонники, и сами музыканты. Здесь каждый найдет что-то «свое» - барокко И.С.Баха и современность А.Тансмана, обаяние томительных гармоний и аргентинского танго, виртуозные композиции и даже посвящение Фридерику Шопену. Сольные программы, дуэты, концерты для гитары с оркестром, заключительный гала концерт, где на одной сцене встретятся все участники форума – ни один российский фестиваль не раскрывает с такой полнотой возможности гитарного искусства.
За годы своего существования фестиваль «Виртуозы гитары» стал одним из самых авторитетных и высококлассных гитарных форумов не только России, но и в мире.Его участников смело можно назвать элитой классического гитарного искусства. Все они являются победителями престижных исполнительских конкурсов, выступают в крупнейших концертных залах планеты, сотрудничают с известными симфоническими оркестрами. Пройдя блестящую школу у лучших педагогов мира, сегодня многие из них сами преподают в ведущих музыкальных заведениях Европы и проводят мастер-классы в разных странах. Каждый гитарист обладает яркой индивидуальностью, артистической харизмой, только ему присущей манерой игры и репертуарными предпочтениями.

12 марта

Открывает фестивальную программу российский дебют:итальянский дуэт гитариста Джампаоло Бандини и бандеониста Чезаре Кьяккьяретты уже десять лет исполняет аргентинскую музыку в крупнейших концертных залах и на самых известных фестивалях мира. Музыкантам выпала честь играть Двойной концерт «Hommage Liegi» Астора Пьяццоллы в Парме под управлением Лео Брауэра и в Турине с оркестром «Виртуозы Москвы» под управлением Павла Бермана.

13 марта
Другой интересный дебютант «Виртуозов гитары» - польский музыкант Лукаш Куропачевский – представит музыку своего великого соотечественника, Фридерика Шопена, а также мексиканца Мануэля Марии Понсе и итальянца Мауро Джулиани.
В этот же вечер выступит уроженец Ленинграда, ныне живущий в США, Гриша Горячев. Увлеченный пропагандист жанра фламенко, он расшифровывает на слух существующую лишь в записи музыку и включает ее в свои концертные программы. Его прекрасное чувство стиля было оценено на гитарном конкурсе им Х.Аркаса в Испании, где Гриша Горячев получил приз «за лучшее исполнение испанской музыки».

14 марта
Гитару в разных обличьях - классическую и фламенко - представят дебютанты фестиваля Лоренцо Микели (Италия) и Адам Дель Монте (Испания/Израиль). Первый итальянский музыкант, победивший в знаменитом состязании Guitar Foundation of America,Лоренцо Микели выступает в Европе, Азии, Африке и обеих Америках. Увлеченный пропагандист старинной музыки, Лоренцо Микеле играет также на барочной гитаре и теорбе.

15 марта
На одной сцене выступят известный испанский виртуоз Хосе Мария Гайярдо дель Рей и Ирина Куликова, уроженка Челябинска, ныне живущая в Нидерландах. Выдающийся гитарист-виртуоз, дирижер и композитор Гайярдо дель Рей выступает в совместных проектах с Терезой Берганца, Элиной Гаранча и Пласидо Доминго. Он - руководитель и основатель ансамбля камерной музыки «La Maestranza», в качестве дирижера сопровождал выступление Пако де Лусии в Японии с концертом «Аранхуэс» Родриго (1990). Его собственная интерпретация Концерта «Аранхуэс» признана одной из лучших в мире. Это сочинение он исполнит и на нынешнем фестивале «Виртуозы гитары».

16 марта 
Слушателей ждет традиционный оркестровый концерт фестиваля, в котором примет участие Государственный симфонический оркестр «Новая Россия» и эквадорский дирижер, работающий в нашей стране, Фредди Кадена.
В программе - пять гитарных концертов, два из которых прозвучат в России впервые. Помимо участников предыдущих вечеров форума, на сцене Зала им. Чайковского выступит известный российский гитарист Артем Дервоед, лауреат 35 международных конкурсов (14 первых премий!).

17 марта Своим выступлением порадуют уроженцы Франции и Испании, а именно гитарным соло Жадикаэля Перруа и Рафаэля Агирре. 

18 марта
На одной сцене выступят Государственный камерный оркестр "Виортуозы Москвы" под руководством дирижера Мрио Брунелло ( Италия) и виолончели.

19 марта
Выступят гитаристы из Италии и Чехии  Эдоардо Катемарио и Павел Штайдл.

23 марта Завершится фестиваль «Виртуозы гитары» блистательным ГАЛА-КОНЦЕРТОМ с участием всех музыкантов.

Приходите и наслаждайтесь!

Выставка "Титаник: Как это было. Погружение в историю."

Выставка "Титаник: Как это было. Погружение в историю."

Его называли "непотопляемым", его колоссальные размеры поражали современников. "Титаник"- крупнейший лайнер 20 века, настоящий гигант, сохранивший свое имя в океане истории. Его гибель потрясла мир, став одной из самых масштабных катастроф.

В феврале в Афимолл Сити открылась главная выставка 2014 года "Титаник. Погружение в историю". На экспозиции представлены более 342 предмета, принадлежавшие пассажирам лайнера, а так же факты и образ жизни пассажиров команды. Погружение в историю прежде всего рассказывает о печальной судьбе гигантского корабля. Благодаря необычайным декорациям воссозданным по исторически сохранившимся эскизам посетитель как бы оказывается на борту легендарного корабля и в действительности переживает все события рокового путешествия.

В течении века интерес к Титанику не ослабевает, а только набирает обороты. Выставка привлекла уже более десятка миллионов человек по всему миру . Трагический сюжет и фантастические декорации не оставляют равнодушным никого. 
Тайна, которую "Титаник" унес с собой, по сей день будоражит умы . Какие секреты были скрыты за дверями кают? Приходите и вы сами все увидите! В течение века "Титаник" живет в сердцах людей, став сердцем океана.

Все подробности о выставке вы можете прочитать тут: http://titanic-exhibition.ru/